Te visitaré cuando el clima sea agradable

Luego de estar un tiempo desaparecida retorno con una serie maravillosa y la querida culpable de no haber escrito antes, porque verán la idea era publicar una entrada sobre unas películas y doramas coreanos que vi en vacaciones de verano. Pero fue ver los primeros minutos de la historia que comentaré hoy, que todos mis planes del inicio se esfumaron como por arte de magia y dije «Es esta, esta es la serie que merece un lugar en SV» y así fue como pasó.

Bueno también me retrasó el trabajo con los protocolos sanitarios que hay que seguir, las burbujas de estudiantes y el mundo patas arriba que dejó la pandemia. Sí, el mundo siempre estuvo patas arriba pero ahora lo está aún más, por cierto se cumplió un año del confinamiento y aunque ahora en nuestras vidas se han instalado las mascarillas/cubrebocas/barbijo y el alcohol en gel prefiero seguir protocolos a estar confinada nuevamente por tantos meses con las noticias de fondo e información que sólo provoca desanimo y más ansiedad.

Espero pequeño y querido grupo de seguidores del blog que también se encuentren bien, hoy aquí el cielo es de un azul intenso y, como el título de la serie, el clima es agradable. Espero que donde se encuentren también estén disfrutando de buen tiempo y dando la bienvenida al otoño o la primavera según sea el caso.

Unas últimas palabras antes de iniciar, esta serie se convirtió en mi favorita del año, está a la par que mi querida My Mad Fat Diary: un viaje por la vida de una adolescente melómana. asique puede que mi lado fangirl emerja de las profunidades muajajaja (¡corran!) pero como digo a menudo «El que avisa no es traidor» Y ahora sí ¡comienzo!

te visitaré cuando el clima sea agradable

  • Género: Drama, romance
  • Episodios: 16
  • País: Corea del Sur
  • Año: 2020
  • Títulos en inglés: When the weather is fine/ I’ll Visit You When the Weather Is Nice / If the Weather Is Good, Il’l Find You

Pensé que al encontrar el lugar donde está bien que yo exista, donde no moleste a nadie ni me molesten, donde nadie me rechace, era de lo que se trataba la vida. Pero eso ha cambiado ahora. No importa dónde esté, el lugar donde me estoy quedando en este momento podría ser mi lugar. Si solo vivo como yo mismo, parece que estaría bien para mí existir en ese lugar.

SINOPSIS (extraída de Wiki Drama): Hae Won es una mujer ordinaria con buen carácter. Ha tocado el violonchelo desde que era una niña. Hae Won comenzó su vida social con su habilidad para tocar el violonchelo, pero, durante ese tiempo, fue herida emocionalmente por otros. Debido a eso, ella no confía en la gente y ha cerrado su corazón a los demás. Hae Won se enferma y se cansa de su vida en Seúl y decide volver a su pueblo natal, la aldea Bookhyun. Allí, se encuentra con Eun Seob, quien es su antiguo compañero de clase de la escuela secundaria. Dirige la librería «Buenas noches, librería». La vida diaria de Eun Seob es simple. Se despierta y bebe café, lee un libro y escribe en su blog. Hae Won comienza a trabajar a tiempo parcial en la librería. La vida diaria de Eun Seob comienza a cambiar después de que conoce a Hae Won.

Esta serie es delicada, sutil, con un ritmo pausado e introspectivo en la cual el drama y los momentos cómicos logran el balance perfecto. Sus personajes son complejos, profundos y realistas. Si bien el foco está puesto en Mok Hae Won e Im Eun Seob también muestra el día a día de los integrantes del «Club de lectura de Buenas noches librería» así como de la tía y la madre de Mok Hae Won que están unidas por su amor filial y un doloroso pasado, asique en general es una serie coral.

La fotografía e iluminación son preciosas, la banda sonora es acorde a cada escena . Hace tiempo que miro doramas coreanos pero es la primera vez que me encuentro con uno tan calmo y reflexivo. Cada capítulo se pasa en un parpadeo.

La identificación con la forma de ser y las vivencias de Eun Seob y Hae Won ha sido muy fuerte, ¡rayos! si hasta son de la misma promoción que yo. Asique todo me ha resultado de lo más familiar y natural, incluso el hecho de vivir en un entorno rural. Que por cierto, estoy muy complacida de que en vez de idealizarlo muestren las peripecias de vivir allí de forma realista: como las inclemencias del clima, el hecho de que al ser un lugar pequeño todos se conozcan y sepan detalles de la vida de los demás, lo aburrido que puede ser a veces, los festivales o celebraciones anuales, etc.

A medida que avanza la historia se va desvelando el pasado de los protagonistas mediante flashbacks, también hay que prestar atención al finalizar cada capítulo porque se puede leer las reflexiones que Eun Seob deja en su blog las cuales ayudan a comprenderle mejor.

Lo mismo ocurre con el resto de personajes, en especial la excéntrica tía de Hae Won, a la cual adoro, Sim Myung Yeo que es escritora y regenta la casa de huéspedes «Casa Nuez». Esta mujer, áspera al inicio, oculta un gran corazón y amor por su sobrina a la vez que mucho dolor físico y espiritual. Como no es alguien que exprese directamente lo que siente son sus pequeñas acciones lo que lleva a entenderla. En especial en el capítulo final que puede dar la sensación de dejar cabos sueltos pero no es así. Cada personaje ha avanzado, crecido y pasado al capítulo siguiente en su vida.

Para finalizar solo me resta decir que tras su visionado he quedado con una sensación de calidez, tranquilidad y sutil alegría. Reflexioné, sonreí y me entristecí junto a cada personaje. En verdad que vale mucho la pena verla porque los temas que toca son complejos sin embargo los aborda de forma realista, respetuosa y sensible. Si quieren desconectar del caos del mundo «Te visitaré cuando el clima sea agradable» es una excelente elección. Nos leemos la próxima vez.

Hae Won, entiendo que algún día te irás de este lugar. Me estoy preparando para ello. Sin embargo, cuando te vayas de aquí, espero que tu corazón no se sienta demasiado pesado. Espero que te vayas sonriendo felizmente. Que no sufras, ni siquiera un poco. Sinceramente espero esto.

Louis entre fantasmas (Fanny Britt, Isabelle Arsenault)

La víspera, cuando cree que estamos dormidos, llora durante horas, como para recrearse en el dolor. Lo sé porque lo espío. Piensa en la vida de antes, cuando vivíamos aquí los cuatro y él construía sillas que olían muy bien, a madera y barniz, y mi madre preparaba galletas que olían muy bien, a mantequilla y tranquilidad.

Piensa en los grititos de Truffe cuando era un bebé, en sus primeras palabras. Piensa en las vacaciones, cuando íbamos de acampada, en las adivinanzas en el coche, en las guerras de nieve. Piensa en la sonrisa de mi madre, en la época en que sonreía. Lo sé porque yo pienso en lo mismo.

Esta novela gráfica plagada de sensibilidad, melancolía y belleza narra la vida de Louis y su familia la cual se encuentra en un momento delicado donde los suspiros y los silencios son protagonistas, donde planea la tristeza y la desilusión.

Los padres se esfuerzan por mantener el equilibrio familiar a su vez que fingen que nada sucede y el protagonista con su pequeño hermano Truffe que captan todo a la perfección y deciden seguirles el juego.

Acompañada de un dibujo potente y muy expresivo, donde los colores tienen una importancia capital para expresar las diferentes emociones del protagonista se crea una historia que enternece.

Las autoras además muestran con gran exactitud los primeros años de la adolescencia con su confusión y volubilidad, con las amistades y los primeros amores. Con sus avances y retrocesos.

Al igual que en su anterior colaboración juntas, de la que escribí una reseña aquí: ABREVIADO: Rolling Thunder/ Jane, el zorro y yo los animales silvestres tienen su protagonismo, en este caso un mapache quién acompañará al joven y le infundirá ánimo.

Recomiendo muchísimo esta obra, al igual que su antecesora deja su recuerdo y es aún más «seria» (por decirlo de alguna manera) tratando temas que no se suelen ver mucho por la literatura juvenil. Y sientes simpatía por los personajes al instante, sin juzgarlos ni condenarlos ¡Valor Louis, tú puedes!

Mar,surf, recuerdos, ferrocarril, bicicletas, boxeo y yakuzas.

Todos estos elementos que conforman el título (que me ha quedado bastante largo, por cierto) figuran en los films que he visto, no en ese orden  pero ahí están siendo parte de 5 películas introspectivas (sí, incluso en la que hay yakuzas) que presento a continuación. Cámaras, luces ¡acción!:

After Life

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1998
  • País: Japón
  • Género: Drama, fantasía, sobrenatural

-Ya elegí un recuerdo…de cuando tenía ocho o diez años. Entonces, ¿sólo recordaré cómo me sentí entonces?

-Correcto.

-¿Podré olvidar todo lo demás?

-Sí.

-¿De verdad? ¿Se puede olvidar? Bien, entonces aquello es realmente el cielo.

La gente muere y va a un edificio antiguo por una semana, mientras permanecen ahí deben elegir un recuerdo, el que sea más significativo o precioso. Hay un límite de tiempo, tienen tres días para decidir. Cuando hayan elegido ese recuerdo especial, el personal del edificio lo recreará en una película, la cual se proyectará el sábado. Tan pronto como revivan el recuerdo, seguirán adelante llevando consigo sólo ese recuerdo.

Esta es la premisa del film, el cual se divide en los 7 días de la semana. Al inicio se llevan a cabo las entrevistas con las personas, luego siguen las narraciones de los recuerdos escogidos para luego pasar a la recreación de los mismos donde se ve al equipo creativo discutiendo ideas y preparando el set de filmación. Todo esto con una introspección y una nostalgia evocadora.

Acompañada de tonos apagados, uso de luz natural suave y un ritmo pausado y reflexivo vamos siguiendo la historia no sólo de las personas que eligen sus recuerdos sino de los supervisores que habitan en el edificio y los acompañan en la elección.

Poco a poco se van desvelando sus historias a través de comentarios, interacciones y sus objetos personales. Muestra, en mi opinión, con mucha claridad los entresijos y contradicciones del ser humano, lidiar con la gente no es fácil. Además deja pensando un buen rato y plantea algunas preguntas : ¿qué recuerdo te llevarías al más allá? ¿Qué tan fiel y exacta es la memoria? ¿Qué pasa si no puedes  o no quieres escoger un recuerdo? Para averiguarlo resta ver la película.

En su momento busqué desesperadamente dentro de mí cualquier recuerdo de felicidad. Ahora, cincuenta años después he aprendido que yo era parte de la felicidad de alguien. Qué descubrimiento más maravilloso.

Maborosi

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1995
  • País: Japón
  • Género: Drama

-¿De quién es el barco?

-No es de nadie.

-Entonces lo quiero.

-¿Pero dónde lo guardarás?

-En el armario.

De todas las de la lista esta es, por lejos, la película que exige estar en un estado mental y emocional adecuados, pues sino puede resultar soporífera, ya que se detiene en cada escena y es muy contemplativa, rezuma melancolía. Y de eso trata la historia.

Una mujer (Makiko Esumi) pierde repentinamente a su esposo (Tadanobu Asano) , quien aparentemente se suicidó, quedando sola con su bebé de tres meses. Luego de unos años vuelve a casarse y se muda a la ciudad costera donde reside su nuevo esposo con su hija.

Es un film que explora y representa muy bien el duelo, la tristeza, la pérdida. Los sonidos cotidianos y pequeños momentos de la vida cotidiana introducen en la historia  llegando un punto en que parece que más que ver una película estuvieras espiando un poquito a cada personaje en sus quehaceres cotidianos.

Los diálogos son concisos, enfocándose más en cada gesto y movimiento. Las actuaciones son muy espontáneas, destacándose la de los niños. Con una banda sonora acorde. Y una fotografía estupenda.

Poppoya/El ferroviario

  • Director: Yasuo Furuhata
  • Año: 1999
  • País: Japón
  • Género: Drama

-Abuela ¿va todo bien?

-Ya te lo dije. No podemos quedarnos aquí sin hacer nada. Esta ciudad se está muriendo, pero nosotros no.

Profunda, intimista con una carga emocional contenida y ese estoicismo férreo propio de los japoneses.

  Ken Takakura lo hace de nuevo, brinda otra actuación estupenda. En esta ocasión interpreta a Otomatsu Sato, un ferroviario de Horomai disciplinado y entregado devotamente a su trabajo en una pequeña ciudad nevada que está condenada a desaparecer. Sus habitantes se marchan, sólo quedan ancianos y además van a cerrar la línea ferroviaria donde trabaja porque ¡palabra mágica! no es rentable.

Esta película en lo personal tocó mi fibra sensible, me ha sido imposible no sentirme identificada con la historia. A pocos kilómetros de mi pueblo, por calle de tierra como no, se encuentra una localidad que quedó deshabitada, murió,  como muchos pueblos de mi país, cuando dejó de pasar el tren. Puedo ver las líneas del ferrocarril cuando salgo a dar mis caminatas y los durmientes que cruzan por encima del arroyo. Siento cierta melancolía de imaginar ese tren que nunca veré, me quedan los relatos de mis padres que viajaron por estas vías. Volviendo al film, nos muestra la resignación, el paso del tiempo y la determinación de Otomatsu de cumplir con su trabajo hasta el final.

El pasado y el presente se entremezclan para contar la historia del solitario ferroviario a quien le espera un encuentro con una persona muy querida.

Creía en los dichos de mi padre y los he llevado a la práctica. Decía que las máquinas de vapor reconstruirían el país tras la guerra. Que trabajase con ellas. Y así lo he hecho. Me convertí en maquinista. Ahora voy a acabar mi carrera como ferroviario. Lo he hecho lo mejor que he podido. Y no me arrepiento de nada.

Kids Returns

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1996
  • País: Japón
  • Género: Drama, crimen

-Dinamita Kid, ése será tu nombre ahora.

-¿Eh?

-Yo encontraré otra cosa.

Este film es muy especial para mí, fue el primero que vi de Kitano y por el cual me volví seguidora del director, he visto casi toda su filmografía. Cada una de sus películas tiene su encanto pero, como suele suceder, tengo mi grupo de favoritas en donde se encuentra por supuesto ésta.

Aquí se siguen las andanzas de Shinji (Masanobu Ando) y Masaru «Machan» (Ken Kaneko) dos adolescentes problemáticos a los que une la amistad y el gusto por fastidiar a los antipáticos de los profesores (porque lo son) de su escuela.

Estos dos «tontos sin futuro» como los describe el profesorado descubren de casualidad sus intereses, Shinji en el boxeo y Masaru en la yakuza. A raíz de esto sus caminos se separan, y ahora cada cual por su lado ascenderá en su actividad. Pero el destino es caprichoso y adverso, y nuestros protagonistas sufrirán un revés.

Además de seguir a este par también se explora las historias de otros compañeros de su clase, como el dúo cómico, los matones que se meten al boxeo por curiosidad y un joven al que fastidian en la escuela.

El ritmo es dinámico aunque se detiene en algunos detalles. Un relato con humor seco, cierto halo de amargura y esperanza. Es muy realista, no va de héroes que superan los obstáculos para llegar a su meta, va de personas. Kitano no edulcora ni glorifica nada. Cada decisión tomada hace que los personajes crezcan para bien y para mal. Con sus aciertos y sus fallos siguen avanzando, los aceptas como son y se les toma simpatía.

El punto aquí es la amistad, a pesar del distanciamiento sigue ahí, de buscar tu propio camino, perder y volver a empezar.  Acompaña una estupenda banda sonora a cargo del magnífico  Joe Hisashi.

Sobre la película Kitano manifestó lo siguiente: «No quería hablar de cosas complicadas. Sólo quería divertirme» pues sí, pero de igual forma siempre hay un punto de reflexión en sus films y éste no es la excepción.

-Machan, ¿crees que todo ha acabado para nosotros?

-Idiota. No hemos ni empezado.

A Scene at the Sea

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1991
  • País: Japón
  • Género: Romance, drama.

La historia presenta a Shigeru (Claude Maki) un recolector de residuos sordo que encuentra en una de sus recolecciones una tabla de surf, la repara y comienza a introducirse en el mundo de este deporte acompañado de su novia.

Es una historia muy cotidiana, simple, que reboza ternura e inocencia. Con dos personajes a quienes se les toma simpatía a los pocos minutos. Se siente muy real, los diálogos, los gestos, cada momento es muy puntual y creíble, tanto que podría ser perfectamente la historia de cualquier aficionado al surf.

El sonido es excelente y el punto clave de la película. Te sumerge completamente en la historia: el ruido del mar, el viento, las risas, los pasos al caminar,  los vehículos. Es toda una experiencia auditiva. Se puede cerrar los ojos y realmente crees estar, valga la redundancia, frente al mar. Sin mencionar que Joe Hisashi vuelve a entregar otro excelente soundtrack (este señor siempre produce maravillas)  pueden escuchar uno de los temas aquí, el que escogí tiene influencias de Erik Satie (otro gran compositor):  Cliffside Waltz I – Joe Hisaishi (A Scene at the Sea Soundtrack)

Un manejo del drama comedido, que deja con una triste sonrisa porque tiene su toque amargo, pero no por esto deja ser un precioso y delicado relato. Por algo Kitano sensei es uno de mis directores favoritos, demuestra que puede manejar cualquier registro y entregar trabajos muy logrados.

Por cierto, me gusta ver películas sobre surf, no soy una experta ni nada, pero donde haya gente «cabalgando las olas» yo la veré  y, a mi parecer, es hasta la fecha la que mejor lo expone. Sentí que estaba ante una verdadera competencia, con los jueces y demás, lejos de efectos grandilocuentes. Por lo que me atrevo a afirmar que los fans de este deporte la disfrutarán.


Y aquí concluye mi selección de películas, espero alguna despierte su curiosidad y decidan darle una oportunidad. Nos leemos más pronto que tarde, cambio y fuera.

Hana

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 2006
  • País: Japón
  • Género: Comedia, drama

-La vida del samurai es como la flor del cerezo, bella y breve. Para él, como para la flor, la muerte es algo natural y glorioso.

(…)

-Seguro que las flores del cerezo caen porque saben que florecerán el año que viene, si no, no lo harían.

Soza (Junichi Okada) es un joven samurai el cual está dispuesto a vengar la muerte de su padre. Lleva en la búsqueda del asesino hace ya tres años viviendo en un barrio humilde de Edo, donde convive con un grupo de personas amables, que viven el día a día con optimismo e intentando llegar a fin de mes con el alquiler.

Un film ameno, con una fotografía preciosa donde se capta, a través de la luz y el color, esa estética y elegancia tan propia de Japón. Y donde se presenta un claro mensaje: una crítica a la venganza, el  rígido código samurai, incluso se hace alusión a los 47 rōnin, la lealtad y los dilemas morales. Todo ello mezclado con situaciones humorísticas y dramas de la vida cotidiana que viven los habitantes del barrio.

En suma una película que deja un agradable sentimiento al espectador, si gustan de las historias de samuráis, con toques cotidianos denle una oportunidad a Hana y contemplen, junto a Soza y compañía, las flores de cerezo.

 

ABREVIADO: El pañuelo amarillo de la felicidad/ Drive

Creo que se está haciendo costumbre que publique a fin de mes, en cualquier momento el nombre del blog pasará a llamarse «Saltos a fin de mes» o algo por el estilo. De todos modos aquí estoy nuevamente ( CRIC CRIC…sé que no me extrañaron no es necesario que cantes grillo)

En esta ocasión los invitados son dos films japoneses que tenía en el tintero (léase mi cuaderno de notas) que estaban iniciando una huelga por ser cruelmente ignorados. Asique luego de una ardua negociación hemos llegado a un acuerdo y aquí están para su deleite (o desgracia, todo depende del punto de vista)

EL PAÑUELO AMARILLO DE LA FELICIDAD

  • Director: Yoji Yamada.
  • Año: 1977.
  • País: Japón.
  • Género: Drama/road movie.

«En aquella época no sabía lo que estaba bien o lo que estaba mal y tampoco me importaba si iba o si venía. Estuve atrapado en aquella mini ciudad hasta los 30 años. Entonces me di cuenta de que sentía asco. Estaba desaprovechando mi vida, decidí cambiar. Y pensé que no habría nada en este mundo que pudiera pararme»

La historia comienza con el joven Hanada Kin’ya (Tetsuya Takeda) que tras una ruptura amorosa decide emprender un viaje en auto por la carretera, sin destino fijo. Sólo viajar hacia el infinito y más allá, en su periplo se encuentra con Ogawa Akemi (Kaori Momoi) una joven que al igual que él está atravesando una ruptura.

Pañuelo#01

Pañuelo#04
Kin’ya y Akemi con el corazón roto.

Así pues deciden ir a Hokkaido, pero a éste par de jóvenes con las emociones a flor de piel se les sumará Yûsaku (interpretado por el mítico Ken Takakura, el Clint Eastwood japonés) un hombre tranquilo y reservado, con un pasado doloroso que poco a poco irá desvelando.

El film equilibra muy bien la comedia y el drama, las actuaciones también están en armonía, pues Yûsaku es la contraparte perfecta a los volubles jóvenes que se pasan todo el viaje como perro y gato. Pues nuestro extravagante (y en ocasiones pesado) Kin’ya no dudará ni un instante en intentar acercarse a la tímida y sensible Akemi (y no de manera apropiada)

Pañuelo#03
Akemi pensando «¿Dónde me metí?» Posdata: Quiero que aprecien la indumentaria de nuestro cowboy nipón.

Sin embargo son ellos los que le proporcionarán al taciturno Yûsaku el coraje para volver a enfrentar lo que dejó atrás. Si gustan del drama pero aún más de las «películas de carretera» se las recomiendo.

Por cierto, hay una adaptación estadounidense con Eddie Redmayne, Kristen Stewart y William Hurt en los papeles principales. Curiosamente el film occidental ofrece una perspectiva más dramática e introspectiva en contraposición con la historia original en la que se aprecia más luminosidad y frescura. Ambas son altamente recomendables. Como último dato les comento que «El pañuelo amarillo de la felicidad» es un clásico en Japón y ganó el premio a mejor película del año.

DRIVE

  • Director: Hiroyuki Tanaka
  • Año: 2002
  • País: Japón
  • Género: Crimen, acción, comedia.

-¡Sólo eres un atracador! ¡Sólo un criminal! Nadie puede ser feliz con esa clase de dinero.
-Gira a la derecha en la siguiente señal.
-Un giro a la derecha no es legal en ese cruce.
-Gira a la derecha.
-Debemos seguir todo recto.
-Haz un giro a la derecha.
-Todo recto.
-¡Gira, maldita sea!

Antes de empezar debo confesar que decidí ver «Drive» por el elenco de actores (a la par me enteré que mi querido Ren Osugi había fallecido)…y me encontré con algo completamente diferente a lo esperado. Porque Japón es muy Japón.

Asakura (Shin’ichi Tsutsumi) es empleado de una compañía que se ve interceptado, mientras conduce por la ciudad, por tres delincuentes (Ren Osugi, Susumu Terajima y Masanobu Ando) que persiguen a un cuarto el cual se quedó con todo el dinero robado del banco. Y es así como Asakura, un hombre metódico, estresado (padece de migrañas) y sumamente apegado a las normas de tránsito se ve envuelto en una situación de lo más atípica.

En éste film se puede encontrar de todo: reflexiones filosóficas y sobre el destino, situaciones inverosímiles (la del restaurante es mi favorita), surrealistas, guerreros fantasmas pertenecientes al Japón feudal, duelos de espadas, agentes de béisbol y un largo etcétera.

La película en ocasiones parece que no se tomara en serio así misma, sin embargo se mantiene una coherencia narrativa, es desconcertante y entretenida. A pesar de sentir por momentos que te están tomando el pelo quieres seguir mirando para saber cómo acabará todo. Muy recomendable para aquellos que disfruten del absurdo, sepan lo que es tener migraña y respeten las normas de tránsito.

Y hasta aquí la entrada de hoy, que como habrán notado no es muy breve pero da igual. El trato que hice con ambos films era que debían aparecer juntos y explayarme todo lo que pudiera sin hacer mucho spoiler (Ok, ya cumplí mi parte asique ¿pueden bajar esa katana por favor? Gracias) Nos vemos a fines de mayo, bueno espero poder publicar algo a mitad del mes (o morir en el intento como dicen) Nos leemos, cambio y fuera.

 

 

 

Cine Animado Vol.2

No había olvidado la cuenta pendiente: traer la esperada (¿?) secuela de Cine Animado Vol.1. El asunto es que, viendo la cantidad de entradas escritas, no faltaba mucho para llegar a la n°100 (la que están leyendo ahora) entonces decidí postergar su publicación.

Después de hacerse esperar y rogar cual diva hollywodense, por fin asoma a estos lares. Porque sí, esta entrada tiene el ego por las nubes al saber que es la centésima. He creado un monstruo y todo por un capricho, bien bien ahora sufro las consecuencias.  Empecemos antes que se hinche aún más de orgullo:

BLOOD TEA AND RED STRING

  • Directora: Christiane Cegavske.
  • Año: 2006
  • País: Estados Unidos
  • Género: Fantasía, stop-motion.

En un bosque, una familia de extrañas criatura pasan sus días apaciblemente. Hasta que un día un grupo de ratones, pertenecientes a la aristocracia (son unos estirados, llevan gorgueras y todo) les encargan la confección de una muñeca. Al momento de la entrega, la buena familia se niega y ¿qué hacen nuestros malvados ratones? robarla. Es así que estas criaturas se embarcan en una aventura para tratar de recuperarla.

 

 

Se trata de un cuento de hadas gótico para adultos, sería como la versión sin censura de los relatos de los Hermanos Grimm.  La narración es pausada, en cuanto a la iluminación utiliza: luz natural suave y contraluz.  Carece de una banda sonora, en su lugar se sirve de los sonidos ambientales. Y las tomas son en primer plano.

Es muy extraña y por tanto muy recomendable. LINK: Blood Tea and Red String

NOCTURNA ARTIFICIALIA

  • Directores: Timothy Quay, Stephen Quay.
  • Año: 1979
  • País: Reino Unido.
  • Género: Stop-motion, surrealismo. Cortometraje.

De los Hermanos Quay, he visto dos cortometrajes. En éste un personaje viaja en un tranvía, en un estado de ensueño. Desfilan calles vacías, catedrales y esa permanente dualidad realidad-sueño. La historia está dividida en ocho capítulos, con breves descripciones de cada uno.

Luz y sombras se combinan para recrear esta atmósfera onírica. Los directores utilizan elementos orgánicos e inorgánicos, los desplazamientos de cámara alternan entre la rapidez y la lentitud. Y la música (como en todas sus obras) tiene un papel fundamental.

Nocturna Artificialia

Cine experimental de calidad. LINK: Nocturna Artificialia

 

STREETS OF CROCODILE

  • Directores: Timothy Quay, Stephen Quay.
  • Año: 1986
  • País: Reino Unido
  • Género: Stop-motion, surrealismo, cortometraje.

Este cortometraje está basado en un relato corto de Bruno Schulz. El protagonista deambula por una ciudad desolada. La música, a cargo del compositor polaco Leszek Jankowski, es el plato fuerte de la historia transmitiendo variadas emociones y por la que se rige el ritmo de la narración. Es tan metafórica como hipnótica, y la cita final resume muy bien el argumento:

 «En esta ciudad de la mediocridad no hay lugar para los instintos exuberantes ni para las pasiones obscuras e insólitas.La calle de los Cocodrilos era una concesión de nuestra ciudad al progreso y a la corrupción modernas. Pero, como es natural, sólo podíamos pretender edificar una imitación en papel maché, un foto-montaje hecho con recortes de viejos periódicos amarillentos»

 

LINK: Streets of Crocodile

 

PARFUM FRAISE

  • Directores: Alix Arrault, Martin Hurmane, Samuel Klughertz, Jules Rigolle.
  • Año: 2017
  • País: Francia
  • Género: Animación, drama.

Realizado por los estudiantes de la escuela parisina Gobelins, l’École de l’image, narra la historia de un hombre que se esfuerza por criar a su pequeño hijo, mientras intenta dejar atrás su violento pasado. Los diálogos son en japonés, pero el idioma no es impedimento para entender la trama. La animación es de gran calidad. En resumen: breve e intenso.

 

LINK: Parfum Fraise

BURN OUT

  • Directora: Cécile Carre.
  • Año: 2017
  • País: Francia
  • Género: Animación.

Siguiendo con las producciones de la Gobelins, en este caso se trata de una historia sobre una mujer astronauta que queda varada en un planeta desértico. Mientras piensa qué hacer una niña aparece ante ella. Una historia muy nostálgica, donde se hace hincapié en los sueños de infancia. La animación, como en el anterior cortometraje, es excelente. La banda sonora es instrumental y adecuada a cada escena. Los diálogos son en inglés, pero como en el cortometraje anterior, no es un obstáculo para su visionado.Burn

LINK: Burn Out. Y para quiénes gusten curiosear cómo fue realizada, dejo el link (la música aquí también tiene relevancia): Burn Out Making Of.

 

THE PIED PIPER OF HAMELIN (KRYSAR)

  • Director: Jiří Barta
  • Año: 1986
  • País: Checoslovaquia.
  • Género: Terror, fantasía.

Adaptación del cuento El flautista de Hamelin, con la diferencia de que es más inquietante y oscura. La película destaca por su animación, donde se mezcla el stop-motion, expresionismo alemán, uso de elementos orgánicos e inorgánicos, entre otros; y por su excelente banda sonora. Otro punto interesante es la utilización de un lenguaje ficticio. Junto a Blood Tea and Red String, se ha convertido en una de mis películas de animación favoritas de este año.

 

LINK: Krysar

 

INSPIRACIÓN

  • Director: Karel Zeman
  • Año: 1949
  • País: Checoslovaquia
  • Género: Fantasía, surrealismo.

En una gota de lluvia, una historia sobre un amor imposible comienza. Realizada con figuras de vidrio. Bella, poética y llena de magia.

 

LINK: Inspiración

Doy concluida esta entrada, la cual dedico con mucho cariño a los habitués del blog: Juan, Noctua Nival, Burdon, Yai, Beatsu, Sho-Shikibu, Silvia, Pauutopia, Silvia B., Las Crónicas del Otro Mundo, The Ginger Elvis.

También a los lectores ocasionales, los nuevos y a los que tropiezan sin querer con este blog y se quedan a curiosear un rato. A todos, muchas gracias. Nos leemos la próxima vez, a la misma hora y por el mismo canal.

 

 

 

 

Cine Animado Vol.1

  Adoro el cine de animación y los cortometrajes, por lo que pensé que ya iba siendo hora de escribir sobre el tema por aquí. Decidí dividirlo en partes para que no se haga tan largo (que seguro se hace largo igual, ya me conozco). Y les presentaré una película (o dos, depende) y los susodichos cortos, dejando de lo que pueda, los links correspondientes. Preparados, listos, ¡ya!:

EXTRAORDINARY TALES

  • Director: Raúl García
  • Año: 2013
  • País: España, Luxemburgo, Bélgica, Estados Unidos.
  • Género: Misterio/Terror

«Tus dudas ya deberían haber quedado claras. Todo lo que ves o piensas es el sueño de un sueño»

   Adaptación animada de los cuentos de mi amado Edgar Allan Poe, cada historia cuenta con un narrador propio el que a su vez presta voz a los personajes. Este film es un sentido homenaje al escritor, cuidados todos los detalles y empleando un estilo gráfico diferente.

   Cada historia es presentada por el cuervo Poe (Stepen Huges) y la muerte (voz de Cornelia Funke) que mantienen un interesante diálogo en el cementerio. Realizados en esculturas de papel. Donde se dan cita los temas favoritos del autor. Incluso sin conocer las historias el espectador se da una idea de cada una, pues el director ha permanecido fiel a las narraciones originales.

La caída de la casa Usher

  Narrada por la magistral voz (sí, fangirleo) de Christopher Lee. Se presenta la inquietante casa de Roderick Usher y la tragedia que en ella se desencadena. Uno de los últimos proyectos en el que el actor estuvo involucrado, dejando tras sí un excelente trabajo.

Extraordinary Tales

El corazón delator

   La narración corre a cargo de Bela Lugosi, y no…no es su fantasma quién lo hace. Sino que el director utiliza una grabación antigua del actor, en donde leía esta historia. El diseño está inspirado en el arte de Alberto Breccia. Un hombre visiblemente perturbado, decide acabar con la vida de su patrón porque no soporta la visión de su ojo de buitre.

Extraordinary Tales#02

Los hechos en el caso de Mr. Valdemar

   El estilo está basado en los cómics americanos, la narración corre por cuenta de Julian Sands, que está excelente en cada papel que interpreta, para mí fue una sorpresa.

 El señor Valmdemar se somete a una sesión de mesmerismo con resultados inquietantes.

Extraordinary Tales#03

El pozo y el péndulo

   Un hombre es apresado por la inquisición, que ideó un sistema de lo más horroroso para acabar con su vida. La narración está a cargo de Guillermo del Toro (al que la historia le viene como anillo al dedo), y la animación es en 3D.

Extraordinary Tales#04

La máscara de la muerte roja

   El príncipe Próspero a raíz de la espantosa y mortífera peste que asola en la región, decide refugiarse en su castillo junto a sus amigos nobles. Los diseños se basan en el arte de Egon Shciele. Cuenta con la participación de Roger Colman.

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HOTELL E

  • Director: Priit Pärn
  • Año: 1992
  • País: Estonia
  • Género: Animación/Cortometraje

   Del historietista y director de animación estonio he visto dos cortometrajes. El primero narra el choque cultural entre dos sociedades distintas, divididas por un muro, al que uno de los personajes puede acceder a través de una puerta.

   El contraste entre ambos sitios es notable en la utilización del color y la música (por favor bajen el volumen si lo ven, en serio). Por un lado se encuentra un grupo de personas en una atmósfera frívola y lánguida, representadas como «el sueño americano y el progreso» y por el otro un grupo que vive en constante tensión y peligro. Las lecturas que pueden darse de este cortometraje son muchas, si bien Pärn estaba reflejando la situación actual en su país, da pie a varias interpretaciones. Aquí se deja traslucir que no todo lo que brilla es oro, y que si se analiza en profundidad una sociedad ajena, se verá que no es tan distinta de la propia en ciertas cuestiones.

LINK: Hotell E

BREAKFAST ON THE GRASS

  • Director: Priit Pärn
  • Año: 1987
  • País: Unión Soviética (URSS)
  • Género: Animación/Cortometraje

  Aquí se presentan cuatro historias conectadas entre sí, cada acto le corresponde a un personaje, así a través de Anna, Georg, Berta y Eduard el director narra la vida cotidiana en la Unión Soviética: una manera fantástica de contar lo acaecido y muy interesante para interiorizarse de la situación, de la mano de quienes les toco presenciarla. El trazo a simple vista simple y sencillo, transmite mucho. Y por si se lo estaban preguntando: sí, hay una clara alusión al cuadro de Manet.

LINK: Breakfast on the grass (Eine Murul)

MADAME TUTI PLUTI

  • Director: Chris Lavis/Maciek Szczerbowski
  • Año: 2007
  • País: Canadá
  • Género: Animación/Cortometraje

   Los personajes de esta historia, realizada en stop-motion (una de mis técnicas favoritas), tienen una expresividad tal que es fácil olvidar que se está ante un film animado.

   La acción comienza con una mujer que espera el tren junto a sus pertenencias. Ya en el mismo la protagonista observa a los demás pasajeros: los jugadores de ajedrez, un niño leyendo (atención a lo que lee el pequeño) y un tenista que da repelús. Lo que parece una trama simple va virando hacia el suspenso,volviéndose cada vez más inquietante. Muy recomendable.

LINK: Madame Tuti Pluti

REVOLVER

  • Directores: Jonas Odell,Stig Bergqvist, Lars Ohlson, Martti Ekstrand.
  • Año:1993
  • País: Suecia
  • Género: Animación/Cortometraje

    Por último, y no por eso menos importante, este cortometraje sueco es el que cierra esta entrada. Se presenta una sucesión de escenas muy surrealistas, estructuradas a partir años. Algunas tienen en común dos elementos: el agua y los peces (o pescados, pero hay uno medio muerto que no muerto del todo y por ende lo catalogo como pez). El dibujo es de lo más curioso, y el blanco y negro le da mayor peso. Lo llamativo, es que las imágenes que se ven, tienden a la repetición. La interpretación de cada una se la da el espectador…lo recomiendo porque adoro estas rarezas.

Revolver

LINK: Revolver

   Próximamente les traeré la segunda parte, que estoy ansiosa por comentar sobre mis nuevos descubrimientos y de una película que me encanta. Les dedico la entrada a los asiduos del blog y una mención especial a Sho-Shikibu que adora los cortometrajes y a Silvia que es una fanática del cine y sus recomendaciones son imperdibles. Nos leemos la próxima, cambio y fuera.

Tres lecturas breves pero interesantes

«Dos es compañía, tres son multitud» reza el dicho, pues bien entonces en este caso tengo una multitud de lecturas cortitas pero potentes en mi opinión, todas muy diferentes entre sí (que me encanta mezclar tramas) aquí se las presento:

La caja de hueso (Antoinette Peské)

«Me parece un sueño o que tú me estás contando una historia de hadas…pero no quisiera vivir aquí porque todo lo que podría desear sería imposible de realizar y me haría sufrir. Son regiones en las que a menudo debe ocurrir que se muere de amor»

  Esta lectura fue realizada junto a mi querida Su del blog Beat Books, una historia con unos cuantos tintes góticos y misteriosos. En la que encontré algunos de los temas recurrentes de Poe. Pero de manera menos sutil. Esta es una historia de amor pero no un amor casto sino irrefrenable, obsesivo y brutal. Su desenlace acarrea terribles consecuencias para sus personajes. En pocas páginas se nos presenta a su vez la historia de una familia maldita, marcada por el dolor y la tragedia en donde prima un extraño lazo entre abuelo y nieto al inicio y al final de la trama. Aquí se es testigo de como el amor que al principio colma de dicha al protagonista da paso a su degradación, pues enloquece (literalmente) de amor. Una historia que deja una sensación de incomodidad a su paso y más al saber que la autora se basó en un caso real. Sin embargo no es desmerecedora de ser leída, si quieren espantarse un poco o filosofar sobre los acontecimientos como hicimos nosotras.

 

Si los gatos desaparecieran del mundo (Genki Kawamura)

«Si lo piensas bien, todas las cosas de este mundo se encuentran en la frontera entre lo necesario y lo innecesario. Tal vez los mismos seres humanos lleguen a encontrarse algún día en esa frontera. El mundo en que vivimos es así de irresponsable»

  Si tuvieras pocos días de vida y te ofrecieran desaparecer algo del mundo a cambio de más tiempo en la tierra ¿qué harías desaparecer? Este es el dilema al cual se enfrenta el protagonista que luego de enterarse de que padece un tumor cerebral es visitado por un peculiar individuo que le propone dicho trato. Una lectura plagada de reflexiones en la que priman los lazos entre las personas primando el de la familia. Que invita a descubrir lo verdaderamente importante en nuestra vida: «Para conseguir algo tienes que perder algo» (el lema que prima en la obra y que me recordó mucho a FMA)

 Mención aparte esta novela cuenta con una adaptación cinematográfica, pues su autor es productor. Personalmente recomiendo la lectura del libro (sea antes o después de ver el film) pues si bien la historia llevada a la pantalla en esencia es la misma se pierden algunos detalles que el libro tiene y yo esperaba ver plasmados, en fin C’est la vie. Sin embargo hay unas tomas de gatitos adorables y gana puntos con eso.

 

Una humilde propuesta (Jonathan Swift)

«Los hombres se mostrarán tan apegados a sus mujeres durante el embarazo como lo están ahora con sus yeguas, con sus vacas y con sus cerdas preñadas a punto de parir; y se olvidarán de su predisposición a golpearlas o patearlas (práctica que es muy frecuente) por miedo a que pierdan el bebé»

   Y por último pero no por eso menos importante, se encuentra este escrito del genial Swift, una sátira llena de ironía y mordacidad. Esta crítica social tan acertada tiene unas reflexiones para aplaudirlas de pie, y es que este texto escrito en 1729 sigue siendo vigente en nuestros días. Y podría decir más si me hubiese gustado menos, pero aquí es mejor que el lector se sorprenda y medite con lo que expone el autor.una humilde propuesta

My Mad Fat Diary: un viaje por la vida de una adolescente melómana.

 Además de las excelentes recomendaciones que trae Silvia en su blog: La Gata de Chesire a veces suelo tropezar con series por mi cuenta  y de casualidad gracias al canal I.Sat (la única razón por la cual enciendo el televisor). Este fue el caso de My Mad Fat Diary o MMFD y quedé totalmente fascinada con ella. Lo siguiente que leerán es un puñado de elogios a esta historia, mi costado fangirl sale a la luz: el que avisa no es traidor. Si desean seguir leyendo mis desvaríos los invito a sumergirse en esta historia. ¡Ahí vamos! 🙂

  • My Mad Fat Diary
  • País: Reino Unido
  • Género: Comedia dramática
  • Temporadas: 3
  • Episodios: 16 (45-47 minutos de duración)
  • Año de emisión: 2013 a 2015

Sinopsis: Situado en la ciudad de Stamford, Lincolnshire en 1996, sigue la historia de una joven de 16 años de edad, que pesa 231 libras, Rae, y que acababa de salir de un Hospital psiquiátrico, donde pasó cuatro meses internada. Rae comienza a rehacer su vida y reanudar su amistad con su mejor amiga de la infancia llamada Chloe, que no es consciente de la salud mental de Rae y de los problemas de imagen corporal que tiene, ya que le hicieron creer que ella estuvo durante todo ese tiempo en Francia. Rae intenta evitar que esta información salga a la luz pública, tratando de impresionar a los amigos de Chloe; Izzy, Archie, Chop y Finn, además de intentar tener una vida como la de cualquier adolescente. (Wikipedia)

 Una historia de amistad, de superación. De aprender a quererse uno mismo con nuestros defectos, asumir que hay cosas que no podemos cambiar sino aprender a convivir con ellas sin dejar que nos paralice e impedir vivir y relacionarnos con otros.

 Con un grupo de amigos genial, y Kester el mejor terapeuta antes visto Rae hace frente a las dificultades: tropieza, cae, pide disculpas. Ella no se rinde, puede sentirse completamente asustada e insegura en su interior pero respira hondo y enfrenta lo que venga recuperándose de sus caídas una y otra vez, mientras aprende más de si misma por el camino.

 La serie muestra que no todo es blanco o negro, pues la percepción que el espectador tiene de ciertos personajes va cambiando a medida que vamos conociéndolos más de la mano de la protagonista, eso también es un punto a favor como todos van creciendo y evolucionando.

  Hay también algo de romance, pero es realista y no es lo esencial de la trama. Ese es otro punto a favor no presentan un amor que todo lo puede y todo lo cura. Para nada, muestran la simpatía que sienten dos personas al estar juntas y compartir gustos similares (en este caso la música) que  luego descubren que se quieren pero a pesar de que pueden estar la una junto a la otra para darse ánimos uno mismo debe pelear sus propias batallas (agradecí infinitamente que no presentaran una historia melosa edulcorada a este respecto)

Otro punto a destacar en esta serie es su sencillamente estupenda banda sonora, en la que figuran artistas como: Suede, Blur, The Smiths, The Cure, The Charlatans, Radiohead, The Stone Roses, The Verve, R.E.M, Pj Harvey, Oasis (estos últimos son los más reconocidos en la serie y ampliamente homenajeados) Y es que Rae es una melómana confesa, tiene un amplio conocimiento musical que no duda en usar para impresionar a sus nuevos amigos. De hecho los Backstreet Boys también desfilan por aquí y esta es su opinión al respecto (que comparto totalmente, con perdón de los fans de dicho grupo):

«¿Los Backstreet Boys? Los Backstreet Boys hacen que quiera escaldarme la parte interior de los muslos con la sustancia más caliente conocida por el hombre, los bollos de mermelada de fresa. Hacen que desee pasarme meses aprendiendo a conducir, y luego años trabajando duro, ahorrando todo el dinero para poder comprarme un Land Rover y atropellarlos a todos. Ellos son todo lo que está mal en este mundo. Están destrozando la música.» (Rae)

  MMFD oscila entre la comedia y el drama de manera armónica, tiene un particular sentido del humor otorgado por la gran imaginación de Rae. Las escenas con más carga emocional son las que tiene en sus encuentros con  su psiquiatra el Doctor Kester, en donde ella puede expresar todo lo que siente y piensa (además de en su diario íntimo)

Kester: -¿Qué no es femenino de contar chistes?

Rae: – Oh, porque contar chistes es una cosa de chicos. Y a los chicos no les gusta que las chicas cuenten chistes, porque los asusta pensar que una chica en realidad podría ser más divertida de lo que ellos son.

Rae: – Te encuentro intensamente irritante algunos días.

Kester: -Es para lo que vivo.

Rae:- Es jodidamente vergonzoso lo bien que me veo algunos días. Asique ¿cuánto tiempo lleva creérselo?

Kester: Creo que es un proyecto de toda una vida para todo el mundo.

  La relación de estos dos personajes es la que más destaco a lo largo de la historia, pues al principio primaba la desconfianza y el ostracismo por parte de la paciente hacia su doctor. Convirtiéndose luego en una relación de respeto y amistad duradera. En Kester Rae encuentra la guía y el apoyo que muchas veces su despistada madre no le otorga, ocupada en su novio Karim.

 Esta serie derriba prejuicios, no se corta: te dice las cosas como son sin vueltas y no suaviza nada pero tampoco cae en el melodrama y la auto-compasión. Rae es una chica fuerte no una damisela en apuros, se ve en su forma de vestir y comportarse (las camisas de franela aquí son el look oficial) Parece decir «Esta soy yo, acéptame así o sigue de largo» El final cumplió mis expectativas, de hecho las superó. No pudo ser mejor y me dejó con el sentimiento de que como dicen Las Crónicas del Otro Mundo: «Lo mejor está por llegar«Rae

Si mi perorata no los aburrió y por el contrario los dejó con ganas de conocer más de esta historia, aquí les dejo los links donde puede verse online. También está en youtube pero la calidad de imagen en algunos capítulos deja bastante que desear (aunque se aprecia mucho el tiempo y esfuerzo) Links:

Nota: La serie está inspirada en los diarios de Rachel Earl.

 

 

 

 

Abreviado: Charlie y la fábrica de chocolate/La luz entre los océanos

Bueno vuelvo a esta sección para escribir sobre dos lecturas tan distintas entre sí como mi opinión sobre ellas:

Charlie y la fábrica de chocolate (Roald Dahl)

 Charlie quería desesperadamente algo más alimenticio y satisfactorio que repollo y sopa de repollo. Lo que deseaba más que nada en el mundo era…CHOCOLATE.

En las páginas de esta novela se encuentra una historia tan divertida como dulce ya que Charlie, el protagonista,  visita la Fábrica del Señor Wonka, dedicado a elaborar las golosinas más fabulosas que han existido nunca. En dicho lugar no solo tendrá oportunidad de conocer al estrafalario Wonka sino a sus empleados los Oompa-Loompas que se nota son amantes de la música y no pierden ocasión para hacer una canción de los sucesos que ocurren (quería tener uno para mí y que me despertara con una de sus canciones, adiós reloj despertador). Con el humor característico de su autor, esta novela es para disfrutar saboreando un buen chocolate…eso sí lávense los dientes luego hay que cuidar la dentadura. Y si vieron la película y les gustó les recomiendo encarecidamente la lectura de este libro, es 100 veces mejor. Al menos para mí que no me gustó mucho la versión de Tim Burton (el Willy Wonka de Johnny Depp no me convence para nada)

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La reina Mandy decreta que si son fans del chocolate lean este libro 🙂

La luz entre los Océanos (M.L. Stedman)

Esta novela tenía todos los ingredientes para convertirse en una de mis lecturas favoritas: Ambientada en Australia en 1920, la profesión de guardafaro en una remota isla, descripción de paisajes y una vida sencilla pero ardua. Sin embargo la novela naufragó a causa de sus personajes.luz

Tom Sherboune regresa a su país acabada la Primer Guerra Mundial y se emplea como farero, esto lo lleva a una isla en los confines del continente. De camino a su lugar de destino conoce a Isabel con la que luego contrae matrimonio. La descripción de la vida en la isla y el trabajo en el faro fue lo que más me gustó y me mantuvo enganchada pero el exceso de drama que acompaña a los protagonistas (más precisamente a Isabel) fue demasiado para mí, además de estar en total desacuerdo con sus decisiones que llevan a padecer mucho sufrimiento a terceros y así mismos. Por todo esto hace que esta historia se hunda en las aguas del olvido, al menos en mi caso.