Mar,surf, recuerdos, ferrocarril, bicicletas, boxeo y yakuzas.

Todos estos elementos que conforman el título (que me ha quedado bastante largo, por cierto) figuran en los films que he visto, no en ese orden  pero ahí están siendo parte de 5 películas introspectivas (sí, incluso en la que hay yakuzas) que presento a continuación. Cámaras, luces ¡acción!:

After Life

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1998
  • País: Japón
  • Género: Drama, fantasía, sobrenatural

-Ya elegí un recuerdo…de cuando tenía ocho o diez años. Entonces, ¿sólo recordaré cómo me sentí entonces?

-Correcto.

-¿Podré olvidar todo lo demás?

-Sí.

-¿De verdad? ¿Se puede olvidar? Bien, entonces aquello es realmente el cielo.

La gente muere y va a un edificio antiguo por una semana, mientras permanecen ahí deben elegir un recuerdo, el que sea más significativo o precioso. Hay un límite de tiempo, tienen tres días para decidir. Cuando hayan elegido ese recuerdo especial, el personal del edificio lo recreará en una película, la cual se proyectará el sábado. Tan pronto como revivan el recuerdo, seguirán adelante llevando consigo sólo ese recuerdo.

Esta es la premisa del film, el cual se divide en los 7 días de la semana. Al inicio se llevan a cabo las entrevistas con las personas, luego siguen las narraciones de los recuerdos escogidos para luego pasar a la recreación de los mismos donde se ve al equipo creativo discutiendo ideas y preparando el set de filmación. Todo esto con una introspección y una nostalgia evocadora.

Acompañada de tonos apagados, uso de luz natural suave y un ritmo pausado y reflexivo vamos siguiendo la historia no sólo de las personas que eligen sus recuerdos sino de los supervisores que habitan en el edificio y los acompañan en la elección.

Poco a poco se van desvelando sus historias a través de comentarios, interacciones y sus objetos personales. Muestra, en mi opinión, con mucha claridad los entresijos y contradicciones del ser humano, lidiar con la gente no es fácil. Además deja pensando un buen rato y plantea algunas preguntas : ¿qué recuerdo te llevarías al más allá? ¿Qué tan fiel y exacta es la memoria? ¿Qué pasa si no puedes  o no quieres escoger un recuerdo? Para averiguarlo resta ver la película.

En su momento busqué desesperadamente dentro de mí cualquier recuerdo de felicidad. Ahora, cincuenta años después he aprendido que yo era parte de la felicidad de alguien. Qué descubrimiento más maravilloso.

Maborosi

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1995
  • País: Japón
  • Género: Drama

-¿De quién es el barco?

-No es de nadie.

-Entonces lo quiero.

-¿Pero dónde lo guardarás?

-En el armario.

De todas las de la lista esta es, por lejos, la película que exige estar en un estado mental y emocional adecuados, pues sino puede resultar soporífera, ya que se detiene en cada escena y es muy contemplativa, rezuma melancolía. Y de eso trata la historia.

Una mujer (Makiko Esumi) pierde repentinamente a su esposo (Tadanobu Asano) , quien aparentemente se suicidó, quedando sola con su bebé de tres meses. Luego de unos años vuelve a casarse y se muda a la ciudad costera donde reside su nuevo esposo con su hija.

Es un film que explora y representa muy bien el duelo, la tristeza, la pérdida. Los sonidos cotidianos y pequeños momentos de la vida cotidiana introducen en la historia  llegando un punto en que parece que más que ver una película estuvieras espiando un poquito a cada personaje en sus quehaceres cotidianos.

Los diálogos son concisos, enfocándose más en cada gesto y movimiento. Las actuaciones son muy espontáneas, destacándose la de los niños. Con una banda sonora acorde. Y una fotografía estupenda.

Poppoya/El ferroviario

  • Director: Yasuo Furuhata
  • Año: 1999
  • País: Japón
  • Género: Drama

-Abuela ¿va todo bien?

-Ya te lo dije. No podemos quedarnos aquí sin hacer nada. Esta ciudad se está muriendo, pero nosotros no.

Profunda, intimista con una carga emocional contenida y ese estoicismo férreo propio de los japoneses.

  Ken Takakura lo hace de nuevo, brinda otra actuación estupenda. En esta ocasión interpreta a Otomatsu Sato, un ferroviario de Horomai disciplinado y entregado devotamente a su trabajo en una pequeña ciudad nevada que está condenada a desaparecer. Sus habitantes se marchan, sólo quedan ancianos y además van a cerrar la línea ferroviaria donde trabaja porque ¡palabra mágica! no es rentable.

Esta película en lo personal tocó mi fibra sensible, me ha sido imposible no sentirme identificada con la historia. A pocos kilómetros de mi pueblo, por calle de tierra como no, se encuentra una localidad que quedó deshabitada, murió,  como muchos pueblos de mi país, cuando dejó de pasar el tren. Puedo ver las líneas del ferrocarril cuando salgo a dar mis caminatas y los durmientes que cruzan por encima del arroyo. Siento cierta melancolía de imaginar ese tren que nunca veré, me quedan los relatos de mis padres que viajaron por estas vías. Volviendo al film, nos muestra la resignación, el paso del tiempo y la determinación de Otomatsu de cumplir con su trabajo hasta el final.

El pasado y el presente se entremezclan para contar la historia del solitario ferroviario a quien le espera un encuentro con una persona muy querida.

Creía en los dichos de mi padre y los he llevado a la práctica. Decía que las máquinas de vapor reconstruirían el país tras la guerra. Que trabajase con ellas. Y así lo he hecho. Me convertí en maquinista. Ahora voy a acabar mi carrera como ferroviario. Lo he hecho lo mejor que he podido. Y no me arrepiento de nada.

Kids Returns

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1996
  • País: Japón
  • Género: Drama, crimen

-Dinamita Kid, ése será tu nombre ahora.

-¿Eh?

-Yo encontraré otra cosa.

Este film es muy especial para mí, fue el primero que vi de Kitano y por el cual me volví seguidora del director, he visto casi toda su filmografía. Cada una de sus películas tiene su encanto pero, como suele suceder, tengo mi grupo de favoritas en donde se encuentra por supuesto ésta.

Aquí se siguen las andanzas de Shinji (Masanobu Ando) y Masaru “Machan” (Ken Kaneko) dos adolescentes problemáticos a los que une la amistad y el gusto por fastidiar a los antipáticos de los profesores (porque lo son) de su escuela.

Estos dos “tontos sin futuro” como los describe el profesorado descubren de casualidad sus intereses, Shinji en el boxeo y Masaru en la yakuza. A raíz de esto sus caminos se separan, y ahora cada cual por su lado ascenderá en su actividad. Pero el destino es caprichoso y adverso, y nuestros protagonistas sufrirán un revés.

Además de seguir a este par también se explora las historias de otros compañeros de su clase, como el dúo cómico, los matones que se meten al boxeo por curiosidad y un joven al que fastidian en la escuela.

El ritmo es dinámico aunque se detiene en algunos detalles. Un relato con humor seco, cierto halo de amargura y esperanza. Es muy realista, no va de héroes que superan los obstáculos para llegar a su meta, va de personas. Kitano no edulcora ni glorifica nada. Cada decisión tomada hace que los personajes crezcan para bien y para mal. Con sus aciertos y sus fallos siguen avanzando, los aceptas como son y se les toma simpatía.

El punto aquí es la amistad, a pesar del distanciamiento sigue ahí, de buscar tu propio camino, perder y volver a empezar.  Acompaña una estupenda banda sonora a cargo del magnífico  Joe Hisashi.

Sobre la película Kitano manifestó lo siguiente: “No quería hablar de cosas complicadas. Sólo quería divertirme” pues sí, pero de igual forma siempre hay un punto de reflexión en sus films y éste no es la excepción.

-Machan, ¿crees que todo ha acabado para nosotros?

-Idiota. No hemos ni empezado.

A Scene at the Sea

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1991
  • País: Japón
  • Género: Romance, drama.

La historia presenta a Shigeru (Claude Maki) un recolector de residuos sordo que encuentra en una de sus recolecciones una tabla de surf, la repara y comienza a introducirse en el mundo de este deporte acompañado de su novia.

Es una historia muy cotidiana, simple, que reboza ternura e inocencia. Con dos personajes a quienes se les toma simpatía a los pocos minutos. Se siente muy real, los diálogos, los gestos, cada momento es muy puntual y creíble, tanto que podría ser perfectamente la historia de cualquier aficionado al surf.

El sonido es excelente y el punto clave de la película. Te sumerge completamente en la historia: el ruido del mar, el viento, las risas, los pasos al caminar,  los vehículos. Es toda una experiencia auditiva. Se puede cerrar los ojos y realmente crees estar, valga la redundancia, frente al mar. Sin mencionar que Joe Hisashi vuelve a entregar otro excelente soundtrack (este señor siempre produce maravillas)  pueden escuchar uno de los temas aquí, el que escogí tiene influencias de Erik Satie (otro gran compositor):  Cliffside Waltz I – Joe Hisaishi (A Scene at the Sea Soundtrack)

Un manejo del drama comedido, que deja con una triste sonrisa porque tiene su toque amargo, pero no por esto deja ser un precioso y delicado relato. Por algo Kitano sensei es uno de mis directores favoritos, demuestra que puede manejar cualquier registro y entregar trabajos muy logrados.

Por cierto, me gusta ver películas sobre surf, no soy una experta ni nada, pero donde haya gente “cabalgando las olas” yo la veré  y, a mi parecer, es hasta la fecha la que mejor lo expone. Sentí que estaba ante una verdadera competencia, con los jueces y demás, lejos de efectos grandilocuentes. Por lo que me atrevo a afirmar que los fans de este deporte la disfrutarán.


Y aquí concluye mi selección de películas, espero alguna despierte su curiosidad y decidan darle una oportunidad. Nos leemos más pronto que tarde, cambio y fuera.

Strange Magic

  • Director: Gary Rydstrom
  • Año: 2015
  • País: Estados Unidos
  • Género: Fantasía, musical, animación.

-La vida entera me pasa delante de los ojos. Vaya, de joven era sexy.

Desengaños amorosos, amores no correspondidos, la temible friendzone (muajaja) es lo que se encuentra en este film que rinde homenaje a Sueño de una noche de verano del dramaturgo inglés.

Con toques de humor que sacan una sonrisa, una animación excelente (que es la razón por la que vi la película)  y un reparto que brilla en cada escena Strange Magic es sumamente recomendable para dejarse llevar y disfrutar de su premisa simple pero con toques adultos.

Strange Magic#02
Contemplen esa cabellera perfecta y apártense de su camino. Tiene una princesa que rescatar (además de admirar su gallarda figura en cada charco)

Los actores están excelentes en cada interpretación, porque si bien hay diálogos la mayor parte de la historia es cantada. Las canciones que interpretan por mencionar algunas son:

Por otro lado de fondo sonaban joyas como People are Strange de mis queridos The Doors y Poker Face de Lady Gaga (¡magnifique!) Y realmente Evan Rachel Wood, Alan Cumming y demás elenco SE LUCEN (así en mayúsculas, subrayado y a color)

Si de algo me voy a quejar es que me dejaron cantando sola Can’t Help Falling In Love  (¡que falta de respeto! Me las pagarás Rey Bog/Alan Cumming) Salvo este pequeño detalle (EJEM) por lo demás es muy amena, si quieren pasar un rato agradable y tararear alguna canción se las recomiendo. Oh, casi lo olvido el hit de la historia es este: Sugar pie honey bunch (Strange Magic clip)

Strange Magic#03
Este par es la razón por la que vi la película. Pues sí querido amigo, has metido la pata…es una chica, que desconsiderado.

 

Hana

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 2006
  • País: Japón
  • Género: Comedia, drama

-La vida del samurai es como la flor del cerezo, bella y breve. Para él, como para la flor, la muerte es algo natural y glorioso.

(…)

-Seguro que las flores del cerezo caen porque saben que florecerán el año que viene, si no, no lo harían.

Soza (Junichi Okada) es un joven samurai el cual está dispuesto a vengar la muerte de su padre. Lleva en la búsqueda del asesino hace ya tres años viviendo en un barrio humilde de Edo, donde convive con un grupo de personas amables, que viven el día a día con optimismo e intentando llegar a fin de mes con el alquiler.

Un film ameno, con una fotografía preciosa donde se capta, a través de la luz y el color, esa estética y elegancia tan propia de Japón. Y donde se presenta un claro mensaje: una crítica a la venganza, el  rígido código samurai, incluso se hace alusión a los 47 rōnin, la lealtad y los dilemas morales. Todo ello mezclado con situaciones humorísticas y dramas de la vida cotidiana que viven los habitantes del barrio.

En suma una película que deja un agradable sentimiento al espectador, si gustan de las historias de samuráis, con toques cotidianos denle una oportunidad a Hana y contemplen, junto a Soza y compañía, las flores de cerezo.

 

En compañía de lobos

  • Director: Neil Jordan
  • Año: 1984
  • País: Reino Unido
  • Género: Fantasía, terror

“Un lobo se esconde tras mil disfraces. Ahora, como antes, es una verdad evidente: cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente.”

Este film etéreo y plagado de simbolismos se sirve de una puesta en escena y banda sonora alucinantes para recrear la vieja historia de Caperucita Roja.

Las lecturas que pueden hacerse del mismo son múltiples, cada escena es, en sí misma, un microrrelato. Los lobos son el hilo conductor de la historia de principio a fin, la amenaza que acecha en busca de su presa, la criatura solitaria e incomprendida.

Todas sus facetas son presentadas a través de relatos que la abuela (una magnífica Angela Lansbury) narra a su nieta Rosaleen (Sarah Patterson), una jovencita para nada ingenua, pero ¿serán su astucia y resuelto carácter suficientes para sortear los peligros del bosque?

En esta historia en la que se entreteje la fantasía con el folclore, lo gótico y la atmósfera neblinosa late el peligro del que debemos apartarnos, como bien indica la abuela, pero que a la vez atrae y fascina. Una película tan inquietante como su final.

-¿Quién viene a entonar esos cánticos?

-Son mis compañeros, cariño, me gusta estar en compañía de lobos.

 

 

ABREVIADO: El pañuelo amarillo de la felicidad/ Drive

Creo que se está haciendo costumbre que publique a fin de mes, en cualquier momento el nombre del blog pasará a llamarse “Saltos a fin de mes” o algo por el estilo. De todos modos aquí estoy nuevamente ( CRIC CRIC…sé que no me extrañaron no es necesario que cantes grillo)

En esta ocasión los invitados son dos films japoneses que tenía en el tintero (léase mi cuaderno de notas) que estaban iniciando una huelga por ser cruelmente ignorados. Asique luego de una ardua negociación hemos llegado a un acuerdo y aquí están para su deleite (o desgracia, todo depende del punto de vista)

EL PAÑUELO AMARILLO DE LA FELICIDAD

  • Director: Yoji Yamada.
  • Año: 1977.
  • País: Japón.
  • Género: Drama/road movie.

“En aquella época no sabía lo que estaba bien o lo que estaba mal y tampoco me importaba si iba o si venía. Estuve atrapado en aquella mini ciudad hasta los 30 años. Entonces me di cuenta de que sentía asco. Estaba desaprovechando mi vida, decidí cambiar. Y pensé que no habría nada en este mundo que pudiera pararme”

La historia comienza con el joven Hanada Kin’ya (Tetsuya Takeda) que tras una ruptura amorosa decide emprender un viaje en auto por la carretera, sin destino fijo. Sólo viajar hacia el infinito y más allá, en su periplo se encuentra con Ogawa Akemi (Kaori Momoi) una joven que al igual que él está atravesando una ruptura.

Pañuelo#01

Pañuelo#04
Kin’ya y Akemi con el corazón roto.

Así pues deciden ir a Hokkaido, pero a éste par de jóvenes con las emociones a flor de piel se les sumará Yûsaku (interpretado por el mítico Ken Takakura, el Clint Eastwood japonés) un hombre tranquilo y reservado, con un pasado doloroso que poco a poco irá desvelando.

El film equilibra muy bien la comedia y el drama, las actuaciones también están en armonía, pues Yûsaku es la contraparte perfecta a los volubles jóvenes que se pasan todo el viaje como perro y gato. Pues nuestro extravagante (y en ocasiones pesado) Kin’ya no dudará ni un instante en intentar acercarse a la tímida y sensible Akemi (y no de manera apropiada)

Pañuelo#03
Akemi pensando “¿Dónde me metí?” Posdata: Quiero que aprecien la indumentaria de nuestro cowboy nipón.

Sin embargo son ellos los que le proporcionarán al taciturno Yûsaku el coraje para volver a enfrentar lo que dejó atrás. Si gustan del drama pero aún más de las “películas de carretera” se las recomiendo.

Por cierto, hay una adaptación estadounidense con Eddie Redmayne, Kristen Stewart y William Hurt en los papeles principales. Curiosamente el film occidental ofrece una perspectiva más dramática e introspectiva en contraposición con la historia original en la que se aprecia más luminosidad y frescura. Ambas son altamente recomendables. Como último dato les comento que “El pañuelo amarillo de la felicidad” es un clásico en Japón y ganó el premio a mejor película del año.

DRIVE

  • Director: Hiroyuki Tanaka
  • Año: 2002
  • País: Japón
  • Género: Crimen, acción, comedia.

-¡Sólo eres un atracador! ¡Sólo un criminal! Nadie puede ser feliz con esa clase de dinero.
-Gira a la derecha en la siguiente señal.
-Un giro a la derecha no es legal en ese cruce.
-Gira a la derecha.
-Debemos seguir todo recto.
-Haz un giro a la derecha.
-Todo recto.
-¡Gira, maldita sea!

Antes de empezar debo confesar que decidí ver Drive” por el elenco de actores (a la par me enteré que mi querido Ren Osugi había fallecido)…y me encontré con algo completamente diferente a lo esperado. Porque Japón es muy Japón.

Asakura (Shin’ichi Tsutsumi) es empleado de una compañía que se ve interceptado, mientras conduce por la ciudad, por tres delincuentes (Ren Osugi, Susumu Terajima y Masanobu Ando) que persiguen a un cuarto el cual se quedó con todo el dinero robado del banco. Y es así como Asakura, un hombre metódico, estresado (padece de migrañas) y sumamente apegado a las normas de tránsito se ve envuelto en una situación de lo más atípica.

En éste film se puede encontrar de todo: reflexiones filosóficas y sobre el destino, situaciones inverosímiles (la del restaurante es mi favorita), surrealistas, guerreros fantasmas pertenecientes al Japón feudal, duelos de espadas, agentes de béisbol y un largo etcétera.

La película en ocasiones parece que no se tomara en serio así misma, sin embargo se mantiene una coherencia narrativa, es desconcertante y entretenida. A pesar de sentir por momentos que te están tomando el pelo quieres seguir mirando para saber cómo acabará todo. Muy recomendable para aquellos que disfruten del absurdo, sepan lo que es tener migraña y respeten las normas de tránsito.

Y hasta aquí la entrada de hoy, que como habrán notado no es muy breve pero da igual. El trato que hice con ambos films era que debían aparecer juntos y explayarme todo lo que pudiera sin hacer mucho spoiler (Ok, ya cumplí mi parte asique ¿pueden bajar esa katana por favor? Gracias) Nos vemos a fines de mayo, bueno espero poder publicar algo a mitad del mes (o morir en el intento como dicen) Nos leemos, cambio y fuera.

 

 

 

Cine indie+Western= DAMSEL

¡Feliz Halloween a todos/as los/as que lo celebren!. Por mi parte me divertí leyendo entradas referidas a la fecha (principalmente las de Noctua) pero en esta bitácora las cosas siempre van en sentido contrario.

Probablemente podría llegar a recomendar una película o libro de suspenso en plenas navidades (rebelde sin causa 2.0)

Por tanto hoy le toca el turno a una película que nada tiene que ver con la noche de brujas, pero que estaba esperando ver con muchas ganas, y no me ha decepcionado. Se las presento:

DAMSEL

  • Directores: David Zellner, Nathan Zellner
  • Año: 2018
  • País: Estados Unidos
  • Género: Western, comedia dramática

Samuel Alabaster (Robert Pattinson) viaja al Oeste para casarse con su gran amor Penélope (Mia Wasikowska) Acompañado del párroco Henry (David Zellner) quien oficiará la ceremonia y su caballo en miniatura Butterscotch (su nombre real es Daisy y fue su debut en pantalla) Sin embargo las cosas no son tan simples como parecen, sino que se tuercen dando un giro de 180°.

Los hermanos Zellner se ríen de los clichés del western y del concepto damisela en apuros.  Dando así un film poco convencional e impredecible, que a pesar de su comicidad también se permite la reflexión y la crítica.

La narrativa es pausada sin caer en el sopor, y si bien la trama juega un poco con el espectador tampoco lo subestima. Pues proporciona los datos necesarios para terminar de atar cabos.

Los actores están muy bien en sus roles, dando vida a personajes complejos a través de actuaciones naturales y espontáneas. Sin sobreactuar ni caer en la redundancia.

En el aspecto técnico fue filmada enteramente en exteriores. Lo que da lugar a paisajes bellamente plasmados, utilización de luz natural suave, planos medios y generales. Con un encuadre abierto y frontal.

La banda sonora corre a cargo del grupo The Octopus Project. ,es enteramente instrumental y se utiliza en momentos puntuales, fusionándose en parte con los sonidos ambientales y los diálogos de los personajes. Los cuales son ocurrentes en partes, un tanto absurdos en otras y hasta algo poéticos.

-Técnicamente hablando ¿estamos en un país indio?
-Técnicamente hablando, creo que en todas partes es el país de los indios.

Se me abrió la cabeza. Las hormigas trataron de comerse mi sangre. Malditas hormigas ¿qué diablos les hice yo a ellas?

A pesar del desconcierto que puede generar la trama en cierto punto, los mensajes que lanza están ahí para analizarlos. Sólo hay que tener paciencia, como es costumbre en los films independientes, pero la paciencia será recompensada con un mensaje muy vigente y necesario para la época en que vivimos.

 

Krull

  • Director: Peter Yates
  • Año: 1983
  • País: Estados Unidos/Reino Unido
  • Género: Fantasía, ciencia ficción, acción.

Estas fueron las palabras que, en su día, le dedicaron a la película que hoy se hace un hueco en mi querida morada:

“Pobre filme de género fantástico que bebe de clásicos sobre cuentos de espadas, batallas contra el maligno y bellas princesas.” (Crítica en FILMAFFINITY)

Y los grandes interrogantes son: ¿la crítica especializada tiene razón? ¿Es mejor no perder el tiempo en su visionado?  Bueno, si de algo sirve una mala crítica es de aliciente para sumergirse en dicha obra con nulas expectativas. Y puedo asegurarles que, con sus fallos, no es tan terrible como la quieren pintar:

En el Planeta Krull, dos reinos enemigos deciden establecer una alianza concertando un matrimonio entre el príncipe Colwyn (Ken Marshall) y la princesa Lyssa (Lysette Anthony)

Dicha boda será interrumpida por La Bestia, una criatura que viaja por el Universo con su ejército en La Fortaleza Negra. Una especie de nave espacial con forma de montaña que cambia constantemente de ubicación.

¿Y qué hace el personaje malvado? Pues lo que todo malvado haría: secuestrar a la princesa y masacrar al reino. Colwyn, el único sobreviviente, será guiado por Ynyr (Freddie Jones) hacia su viaje para rescatar a su amada y, derrotar a La Bestia con la mítica arma capaz de lograr tal proeza: el Krull (que es sospechosamente muy similar a una shuriken)

Y así es como comienza esta travesía , en la cual se irán anexando un grupo de variopintos personajes. Todos, de hecho, son arquetipos: el héroe valiente e impulsivo, el guía sabio, el torpe que se mete en varios entuertos, etc.

La fotografía y los efectos especiales son fantásticos. La utilización de luz natural, la combinación de bellos paisajes con escenarios cuidadosamente construidos son el punto fuerte del film.

Krull#04

 

La banda sonora es acorde y destila esas cuotas de heroísmo que la historia necesita. Mientras que los diálogos son ocurrentes y ágiles:

-La muerte y el poder son primos hermanos.

-Creo que no me gustan tus parientes anciano.

“¿Yo? ¿Viajar con ustedes? ¿Sabes quién soy? Soy Ergo el Magnífico. Pequeño de estatura, grande en poder, minucioso de propósitos y amplio de miras. Y no viajo con campesinos ni mendigos”

Las fuentes de inspiración de Krull saltan a la vista: Star Wars, El señor de los anillos y la Leyenda del Rey Arturo (en palabras de sus creadores) Se puede decir que sale bien parada de combinar fantasía y ciencia ficción.

 

Y ahora toca contarles los puntos en los que flaquea, que asumo son los que hicieron arrugar la nariz a quiénes fueron a verla. O puede que haya sido por otros motivos muy diferentes. Como sea, lo que me decepcionó fue la batalla final:  resulta que el ejército y la fortaleza son más mortíferos que su señor ¿Dónde se ha visto?

Por otro lado la pareja protagonista no es carismática ni despierta simpatía. Ambos son bastante simplones. Podrían no estar que la película seguiría su historia sin perder nada. Y no conviene encariñarse mucho con los secundarios.

A pesar de esto el objetivo lo cumple: entretiene. No es una obra de arte pero tampoco un mamarracho. Se disfruta a pesar de las fallas y eso, a fin de cuentas en una historia de este estilo, es lo importante. Que hay mejores obras no lo discuto. Pero tenerla en mi lista de films vistos no me molesta. Me sirvió para escribir esta entrada. Y eso no es poca cosa.

 

Cine Animado Vol.2

No había olvidado la cuenta pendiente: traer la esperada (¿?) secuela de Cine Animado Vol.1. El asunto es que, viendo la cantidad de entradas escritas, no faltaba mucho para llegar a la n°100 (la que están leyendo ahora) entonces decidí postergar su publicación.

Después de hacerse esperar y rogar cual diva hollywodense, por fin asoma a estos lares. Porque sí, esta entrada tiene el ego por las nubes al saber que es la centésima. He creado un monstruo y todo por un capricho, bien bien ahora sufro las consecuencias.  Empecemos antes que se hinche aún más de orgullo:

BLOOD TEA AND RED STRING

  • Directora: Christiane Cegavske.
  • Año: 2006
  • País: Estados Unidos
  • Género: Fantasía, stop-motion.

En un bosque, una familia de extrañas criatura pasan sus días apaciblemente. Hasta que un día un grupo de ratones, pertenecientes a la aristocracia (son unos estirados, llevan gorgueras y todo) les encargan la confección de una muñeca. Al momento de la entrega, la buena familia se niega y ¿qué hacen nuestros malvados ratones? robarla. Es así que estas criaturas se embarcan en una aventura para tratar de recuperarla.

 

 

Se trata de un cuento de hadas gótico para adultos, sería como la versión sin censura de los relatos de los Hermanos Grimm.  La narración es pausada, en cuanto a la iluminación utiliza: luz natural suave y contraluz.  Carece de una banda sonora, en su lugar se sirve de los sonidos ambientales. Y las tomas son en primer plano.

Es muy extraña y por tanto muy recomendable. LINK: Blood Tea and Red String

NOCTURNA ARTIFICIALIA

  • Directores: Timothy Quay, Stephen Quay.
  • Año: 1979
  • País: Reino Unido.
  • Género: Stop-motion, surrealismo. Cortometraje.

De los Hermanos Quay, he visto dos cortometrajes. En éste un personaje viaja en un tranvía, en un estado de ensueño. Desfilan calles vacías, catedrales y esa permanente dualidad realidad-sueño. La historia está dividida en ocho capítulos, con breves descripciones de cada uno.

Luz y sombras se combinan para recrear esta atmósfera onírica. Los directores utilizan elementos orgánicos e inorgánicos, los desplazamientos de cámara alternan entre la rapidez y la lentitud. Y la música (como en todas sus obras) tiene un papel fundamental.

Nocturna Artificialia

Cine experimental de calidad. LINK: Nocturna Artificialia

 

STREETS OF CROCODILE

  • Directores: Timothy Quay, Stephen Quay.
  • Año: 1986
  • País: Reino Unido
  • Género: Stop-motion, surrealismo, cortometraje.

Este cortometraje está basado en un relato corto de Bruno Schulz. El protagonista deambula por una ciudad desolada. La música, a cargo del compositor polaco Leszek Jankowski, es el plato fuerte de la historia transmitiendo variadas emociones y por la que se rige el ritmo de la narración. Es tan metafórica como hipnótica, y la cita final resume muy bien el argumento:

 “En esta ciudad de la mediocridad no hay lugar para los instintos exuberantes ni para las pasiones obscuras e insólitas.La calle de los Cocodrilos era una concesión de nuestra ciudad al progreso y a la corrupción modernas. Pero, como es natural, sólo podíamos pretender edificar una imitación en papel maché, un foto-montaje hecho con recortes de viejos periódicos amarillentos”

 

LINK: Streets of Crocodile

 

PARFUM FRAISE

  • Directores: Alix Arrault, Martin Hurmane, Samuel Klughertz, Jules Rigolle.
  • Año: 2017
  • País: Francia
  • Género: Animación, drama.

Realizado por los estudiantes de la escuela parisina Gobelins, l’École de l’image, narra la historia de un hombre que se esfuerza por criar a su pequeño hijo, mientras intenta dejar atrás su violento pasado. Los diálogos son en japonés, pero el idioma no es impedimento para entender la trama. La animación es de gran calidad. En resumen: breve e intenso.

 

LINK: Parfum Fraise

BURN OUT

  • Directora: Cécile Carre.
  • Año: 2017
  • País: Francia
  • Género: Animación.

Siguiendo con las producciones de la Gobelins, en este caso se trata de una historia sobre una mujer astronauta que queda varada en un planeta desértico. Mientras piensa qué hacer una niña aparece ante ella. Una historia muy nostálgica, donde se hace hincapié en los sueños de infancia. La animación, como en el anterior cortometraje, es excelente. La banda sonora es instrumental y adecuada a cada escena. Los diálogos son en inglés, pero como en el cortometraje anterior, no es un obstáculo para su visionado.Burn

LINK: Burn Out. Y para quiénes gusten curiosear cómo fue realizada, dejo el link (la música aquí también tiene relevancia): Burn Out Making Of.

 

THE PIED PIPER OF HAMELIN (KRYSAR)

  • Director: Jiří Barta
  • Año: 1986
  • País: Checoslovaquia.
  • Género: Terror, fantasía.

Adaptación del cuento El flautista de Hamelin, con la diferencia de que es más inquietante y oscura. La película destaca por su animación, donde se mezcla el stop-motion, expresionismo alemán, uso de elementos orgánicos e inorgánicos, entre otros; y por su excelente banda sonora. Otro punto interesante es la utilización de un lenguaje ficticio. Junto a Blood Tea and Red String, se ha convertido en una de mis películas de animación favoritas de este año.

 

LINK: Krysar

 

INSPIRACIÓN

  • Director: Karel Zeman
  • Año: 1949
  • País: Checoslovaquia
  • Género: Fantasía, surrealismo.

En una gota de lluvia, una historia sobre un amor imposible comienza. Realizada con figuras de vidrio. Bella, poética y llena de magia.

 

LINK: Inspiración

Doy concluida esta entrada, la cual dedico con mucho cariño a los habitués del blog: Juan, Noctua Nival, Burdon, Yai, Beatsu, Sho-Shikibu, Silvia, Pauutopia, Silvia B., Las Crónicas del Otro Mundo, The Ginger Elvis.

También a los lectores ocasionales, los nuevos y a los que tropiezan sin querer con este blog y se quedan a curiosear un rato. A todos, muchas gracias. Nos leemos la próxima vez, a la misma hora y por el mismo canal.

 

 

 

 

Aki Kaurismäki: el cineasta del pueblo

Kaurismäki es un cineasta muy especial que tuve el placer de conocer este año, gracias a la recomendación del ilustrador e historietista Ken Niimura en el cómic “I kill giants”. Aquí pueden leer la magnífica reseña de Sho-Shikibu sobre el mismo: El vástago de Thor. Volviendo al tema (que esto va de cine no de cómics) decidí hacer caso de la recomendación (menos mal) y fue un acierto en toda regla.

El director finés tiene una fórmula que repite en cada film, ¿esto lo vuelve aburrido y predecible? Para nada, plasma con gran sensibilidad el día a día de la clase trabajadora. Sus personajes siempre se caracterizan por tener una impasibilidad a prueba de balas.

  Con pinceladas de melancolía sin caer en el patetismo, optimismo y esperanza mezclado con unos toques de amargura. Kaurismäki regala al espectador retazos de poesía cotidiana. Y es alguien que sabe lo que plasma, pues fue lavaplatos y albañil (trabajos que cita en las entrevistas) Su sentido del humor es sutil, casi imperceptible. Tiene similitudes con el humor seco de los films Jim Jarmusch (otro director que adoro) Y es muy fácil para el espectador sentir simpatía por sus personajes, incluso puede hacerse un paralelismo entre la situaciones que les tocan vivir a ellos y a cualquier trabajador de otro país (quizá los primeros suelen tener más suerte en todo caso).

Un dato curioso es que siempre alguno de ellos (por no decir casi todos) fuma (menos mal que el humo no traspasa la pantalla) y que se verán  envueltos en situaciones algo absurdas pero contarán con la solidaridad de sus conocidos o amigos (que bonito) Además suele repetir actores, tiene su grupo fiel al pie del cañón, como Kati Outinen y el fallecido Matti Pellonpää.

La música también tiene un papel importante, la radio nunca falta y los temas de rock clásico, baladas y  tango finés sonarán en los oídos del espectador. Por otro lado el marco en que se presentan las historias es casi siempre atemporal.

Y después de toda esta perorata vamos al quid de la cuestión: las películas. Seleccioné las que he visto (aún no visioné todas) para no hacer esto muy tedioso y largo, aquí van 7 de sus películas. Tranquilos solo dejaré una cita y un breve  resumen (en serio) de las mismas. ¡Que comience la función!:

1) La vie de Boheme

  • Año: 1992
  • Países: Finlandia, Francia, Italia, Suecia.
  • Género: Drama/Comedia

-De todas maneras no puedes aceptar su oferta. Gasot…apoya a la Derecha. Tus principios no te permiten comer pan bañado del sudor del pueblo.

-Te equivocas. Está a la izquierda de la Derecha Parlamentaria, y votó por la pensión para viudas. Además, conoce gente de influencia de la que puedo obtener comisiones por tus composiciones y los retratos de Rodolfo.

-Eso cambia todo ¿cuándo te reúnes con él?

La vie de boheme#02

Adaptación libre de la novela de Henri Murger, en esta historia situada en París, los personajes principales son Marcel poeta y dramaturgo, Rodolfo un pintor albanés y Schaunard un compositor juerguista. La vida cruzará los caminos de estos tres individuos que viven por y para el arte. También hay una historia de amor que tiene un desenlace amargo y hasta ahí puedo contar. Estos tres artistas vivirán unas cuantos apuros que resolverán a través de su amistad e ingenio.

2) Shadows in Paradise

  • Año: 1986
  • País: Finlandia
  • Género: Drama/Romance

-¿Qué quieres de mí?

-¿Quién, yo?

-Sí.

-¿Quieres más vino?

-Contesta.

-No quiero nada de nadie. Soy Nikander…ex carnicero, actual basurero. Tengo los dientes y el estómago muy mal. Mi hígado no anda bien, mi cabeza tampoco. No me preguntes que quiero.

-De acuerdo.

-Gracias.

Shadows in paradise#02

Nikander es un recolector de residuos o basurero (como prefieran llamarlo) un   hombre reservado y tranquilo. Su rutinaria y apacible vida cambia cuando conoce a Iona, una cajera de supermercado de carácter decidido de la cual se enamora. Con la complicidad de su amigo y compañero de trabajo Melartin intentará conquistarla ¿lo logrará?

3) Ariel

  • Año: 1988
  • País: Finlandia
  • Género: Comedia/Drama

Ahora tengo 37 años, y dentro de 8 tendré 43. Para entonces no aguantaré ni 3 horas fuera sin matar a nadie.

Ariel#02Kasurinen Taisto es un minero de una zona rural que se marcha a la ciudad. Conoce a Irmeli, divorciada que tiene múltiples trabajos para mantenerse junto a su hijo. Y quién se convertirá en el interés amoroso del protagonista. Pero las cosas no le serán fáciles a Taisto. Por ironías del destino terminará en la cárcel, donde conocerá a Mikkonen quién cumple una condena de 8 años por homicidio no premeditado. Lo interesante es que al final se desvela el significado de la palabra que da nombre al film. Esta fue mi primer película del director asique le tengo especial cariño. ¿Por qué no está primera en la lista? Porque no hago listas siguiendo ningún tipo de orden establecido, o en otra palabras: el orden de los factores no altera el producto.

4) The Match Factory girl

  • Año: 1990
  • País: Finlandia
  • Género: Drama/Comedia dramática

Cuando uno lo da todo y solo recibe decepciones. El baúl de los recuerdos es cada vez más duro de llevar (fragmento de la canción que suena en la película)

Iris es una joven que trabaja en una fábrica de fósforos, vive con su madre y su padrastro. Su sueldo casi en su totalidad es destinado a la economía familiar. Además de la lectura (la saga literaria Angélique) la única actividad que realiza en su tiempo libre es salir a bailar. Esta película posee muy poco diálogo, es más introspectiva, recae en los gestos sutiles. A diferencia de las otras, está situada en un año concreto. Puede adivinarse por las noticias que pasan sobre las Protestas de la Plaza de Tiananmén y la visita del Papa Juan Pablo II a Escandinavia. El humor es más macabro y su final menos afortunado.

5) Calamari Union

  • Año: 1985
  • País: Finlandia
  • Género: Comedia

No veo por qué un hombre en mi posición, debe venir a rogar. Debería tener lo que necesito cada mañana en la puerta de mi casa. Si tuviera casa. Pero eso no cambia nada.

En este film hay mayor interacción entre personajes, diálogos enfáticos y movimientos de cámara más dinámicos. La historia sigue a un grupo muy peculiar y algo errático de trabajadores, que deciden ir, a sus ojos, a la idílica ciudad de Eira. Pero el camino hacia su destino está lleno de peligros y giros inesperados. El variopinto grupo con aspecto de punks se ríen en la cara del espectador, pero sin perder la cortesía, con sus absurdas acciones. Sin lugar a dudas una de las películas con la que más me he reído. Homenaje al punk-rock, referencias a Taxi Driver y el nombre Frank por doquier.

6) Lights in the dusk

  • Año: 2006
  • Países: Finlandia, Alemania, Francia.
  • Género: Drama/Policial

-Demonios, estoy envejeciendo allí. Voy a establecer mi propia compañía y quitarlos del negocio ¿Me crees?

-Te creo ¿Has estado bebiendo otra vez?

Koistinen es un guardia de seguridad nocturno, normalmente ignorado por todos y objeto de burla de sus compañeros de trabajo. Taciturno, sentimental y leal. Un día conoce a una misteriosa mujer, viéndose envuelto en un robo, en donde asoman la nariz los “hombres de negocios”. Hay un cameo de Carel Struycken (Largo en Los locos Addams) en la banda sonora figura Gardel. Es una película donde se siente la impotencia y desesperanza del protagonista. Y decir que sentí deseos de golpear al hombre del traje es quedarme corta(disculpen, momento violento)

7) Drifting Clouds

  • Año: 1996
  • Países: Finlandia, Alemania, Francia.
  • Género: Drama/Comedia

-Fumas demasiado.

-Es verdad.

-¿Preocupada?

-No podía dormir.

-¿Con el abrigo puesto?

-Sí.

Drifting Clouds

Ilona y Lauri Koponen son un matrimonio feliz, ella es  maître en un restaurante y él conductor de tranvías. Sus vidas dan un revés cuando ambos quedan sin trabajo. Y el espectador será testigo de las peripecias de ambos para conseguir nuevos empleos: la edad les juega en contra, algunos oficios ya no son necesarios, el mundo está hecho para   los negocios y la gente con dinero. ¿Lograrán sobreponerse? Este film está dedicado a la memoria de Matti Pellonpää (que es el señor de bigotes que aparecen en la mayoría de las imágenes de este post, era realmente bueno en su trabajo y todo un bohemio)

Y hasta aquí las recomendación cinéfila de hoy, para despedirme les dejo una frase del director: “Parezco un tipo frío, pero soy un sentimental. Cuido mucho de los demás, aunque de mí mismo no cuide nada. Sin solidaridad nuestra vida está hueca. Yo llegué a pensar que mis películas podrían cambiar el mundo, o al menos cambiar Europa. Ahora me conformo con que cambien a tres o cuatro personas. En todo caso, quiero creer que la humanidad puede enderezar su rumbo a pesar de que hasta los perros tienen más bondad que nosotros”.

Link de donde saqué la frase y pueden leer la entrevista completa:elPeriódico

Fin de la transmisión, näkemiin.

Kedi: Erase una vez en una ciudad gatuna

“Se dice que los gatos están conscientes de la existencia de Dios, pero los perros no.  Los perros piensan que la gente son Dios, pero los gatos no. Los gatos saben que la gente actúa como intermediarios de la voluntad de Dios. Ellos no son ingratos, simplemente saben más”

  • Directora: Ceyda Torun
  • País: Turquía
  • Género: Documental
  • Año: 2016

    Primero que nada, no quiero caer en el elitismo (Bastet no lo permita) pero si no sienten simpatía por los mininos o les dan igual no les recomiendo este film ¿La razón? porque muy probablemente no terminen de apreciarlo o la gente que convive con ellos les parezca rara. Ahora si son de mente abierta y curiosos entonces, ignoren todo lo anterior y alistense para viajar al Paraíso Gatuno en la Tierra.

   En la ciudad de Estambul los gatos son amos y señores, vagando libres por sus calles en completa armonía con los habitantes humanos. Este documental explora el día a día de los felinos junto a los testimonios de los lugareños. Recibiendo comida, agua y una cálida bienvenida. Visitando en sus trabajos a cada persona, como si fueran los supervisores (sí, son tratados como celebridades)Kedi

  Cámara en mano, la directora llevará al espectador por distintos barrios de la ciudad siguiendo la vida de estos peludos, una forma fantástica de conocer la cultura y forma de vida del lugar. A su vez la fotografía es impecable: con tomas en primer plano, aéreas, y buen aprovechamiento de la luz natural. La banda sonora está compuesta por música tradicional del país con un poco de jazz en algunas escenas.Kedi.#04

  Entre los protagonistas mi favorita es Psico, una gata territorial y temperamental: ladrona de pescados, la peor pesadilla de los perros (no teme enfrentarse ni siquiera a los pitbulls, según la gente del barrio) y esposa severa (lleva los pantalones en la relación con su señor esposo) Pero a su vez fiel y cariñosa.

  Las historias son variopintas (algunas muy curiosas): personas que conviven con ellos día a día sin atarlos ni exigirles nada, con deudas interminables en la veterinaria. Y esa preocupación, inquietud, alegría y agradecimiento que se siente por los mininos. Realmente los amantes de estos animales apreciarán mucho el film. Yo me sentí menos rara porque también les hablo a los míos de forma tonta (ejem ejem) y en muchos momentos me encontré asintiendo y pensando “Es cierto, sí.”

 Mediante su relación con ellos Estambul se analiza a si misma, considerándolos guardianes y protectores. Tomando su ejemplo para vivir la vida con más alegría y menos preocupaciones: “En Estambul, el gato es más que solo un gato. El gato encarna el indescripitible caos, la cultura y la unicidad que es la esencia de Estambul”

¿Les gustó la película de Chatrán, son fans de Garfield, tienen un gato? Pues vean este documental, de seguro lo disfrutarán con una sonrisa.

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Camarero, más té por favor.