Las tortugas también vuelan

ADVERTENCIA: Esta no es una reseña al uso, quizás sea lo más personal que he escrito hasta ahora en el blog si no lo explico así no se comprenderá mi apego a esta película, quizá aunque lo explique no se comprenda pero da igual…es mi blog personal y me apetece.


11 de septiembre de 2001, atentado a las torres gemelas, por varias semanas las noticias sólo pasan información de este suceso. Mi yo de 9 años descubre que existe un país llamado Irak.

A mis 12 años en clase de ciencias sociales la profesora nos da un texto sobre el pueblo kurdo que debemos leer y resumir.

Con 16 años le pido a un profesor la película “La vida es bella”. No sólo me presta dicho film en DVD sino que a su vez me da “Las tortugas también vuelan” rápidamente conecto con la historia, trata un tema histórico que he presenciado. Imagino que lo mismo debe sucederle a quién vivía cuando inició la Segunda Guerra Mundial (por poner un hecho harto conocido) al ver un film que trate dicho tema o cualquier otra situación (inserte aquí otro hecho histórico que ha vivido de cerca y le ha impactado)

El film de Bahman Ghobadi marca un antes y un después en mi vida. Gracias profesor, nunca nos pusimos de acuerdo con “El mercader de Venecia” pero siempre recordaré que fue usted quién me acercó esta historia.

2021 PANDEMIA. En el trabajo escucho gente protestar por: el uso del tapabocas/mascarilla y la máscara de acetato; las restricciones horarias; las vacunas (porque no llegan o porque llegan pero vaya a saber que te inyectan) y la frasecita que lo resume todo “En cualquier momento cierran todo de nuevo” como esperando en su interior que todo se desmorone. Las noticias son un caldo de cultivo donde periodistas y políticos crean pánico, malos entendidos, desinforman o aprovechan para hacer campaña sucia. Estrés, angustia, incertidumbre, irritabilidad. Un bonito cóctel del que es casi imposible salir airoso. En el medio muchísima gente enferma, fallecidos, personas sin trabajo, sistemas de salud colapsados, pero eso no tiene importancia. Lo que importa es que no se puede salir de vacaciones, hacer fiestas, que la internet anda lenta y para colmo hay que usar mascarilla. Los otros no importan, cada cual vive en su burbuja de egocentrismo y egoísmo.

Después de una semana particularmente tensa llega el viernes y veo nuevamente la película: vuelvo a ver las cosas en perspectiva.

A pesar de su crudeza, o precisamente por ello la rebobino en mi mente para no flaquear. Soy completamente consciente de que la situación actual no es buena, así mismo antes del Covid 19 había vidas e historias de gente que tiene el alma rota y siguió caminando con su dolor a cuestas…esto ha sido así siempre en cada país de cada continente.

Este es un vistazo a la vida de esas personas. Sin grandilocuencia ni melodrama. Es directa, como arrancarse un apósito de golpe. Deberían verla por su historia; por su simbolismo; porque te hace crecer, tener más coraje y dignidad para enfrentar la vida. Porque muchas de las quejas y protestas del entorno son insignificantes, huecas y esta historia te lo demuestra. Porque es más que lo que dice su sinopsis. Porque cada cual la interpretará de una forma totalmente única y personal.

  • Director: Bahman Ghobadi
  • Año: 2004
  • País: Irán e Irak
  • Género: Drama

SINOPSIS (extraída de FilmAffinity) Los habitantes de un campo de refugiados del Kurdistán iraquí buscan desesperadamente una antena parabólica para poder estar informados del inminente ataque americano contra Irak. Los niños del campamento, liderados por un chico al que llaman “Satélite”, se dedican a la recogida y venta de minas antipersona. Nuevos refugiados llegan al lugar: un joven mutilado, su hermana y un niño pequeño. Satélite quedará prendado de la triste belleza de la joven.

¿Qué han hecho con nuestra querida patria? No tenemos agua, ni electricidad. Ni escuelas, ni desarrollo. Hasta le impiden al cielo traernos ondas para saber cuándo va a empezar la guerra con Estados Unidos. Maldigo esta situación, la maldigo.

Imágenes extraídas de Pinterest

Mirror Mask

  • Director: Dave McKean
  • Año: 2005
  • País: Reino Unido
  • Género: Fantasía-Aventura

-¿Todo el mundo aquí tiene una máscara?

-Por supuesto. ¿Cómo sabes si uno está contento o triste sin su máscara? ¿O enojado? ¿O listo para el postre?

Helena es la hija de una pareja de cirqueros cuya afición es el dibujo, durante una de las presentaciones su madre, con quien la joven ha discutido porque quiere vivir una vida normal lejos del circo, sufre un desmayo y es ingresada en el hospital.

Helena se siente muy culpable y ansiosa por la operación a la que debe ser sometida su progenitora, con todo esto rondado por su mente se va a dormir pero cuando despierta lo hace en un mundo completamente diferente al suyo, en donde todos usan máscaras.

Así es como empieza esta historia escrita por Neil Gaiman y dirigida por el ilustrador Dave Mckean quién no sólo se puso tras la cámara sino que realizó los diseños, es una película que se nota a la legua que lleva el sello de ambos.

El resultado final ha sido esta peculiar historia con sus toques de cuento clásico y un tono gótico con pinceladas de humor. En la misma desfilan reinas malvadas, esfinges que plantean acertijos (como la de Tebas con la excepción de que éstas son algo torpes), una biblioteca en la que tienes que atrapar libros con una red y un desfile de personajes muy llamativos.

La mezcla de imagen real , con animación tradicional y digital es armoniosa y de mucha fuerza.

Como dato curios Gaiman relata todo el proceso de la película hasta su proyección en el libro “La vista desde las últimas filas” (Neil Gaiman no auspicia este blog…pero no estaría mal, ha sido nombrado en SV varias veces)

Si bien la historia es simple, a quienes vieron la película Coraline el argumento no sorprenderá, no deja de ser un film al que vale la pena dar una oportunidad. Se pasa un rato muy agradable, personalmente pienso que contemplando las escenas puedes crear tu propia historia. A nivel visual no deja indiferente.

A menudo confundimos lo real con lo que deseamos.

For no good reason

Primero que nada feliz año nuevo a los lectores de este blog lleno de polvo y telarañas (habrá que pasar el plumero un poco) les deseo salud, paciencia y templanza para afrontar lo que venga…que muchos nos mostramos demasiado optimistas con el 2020 y visto lo visto hay que ser más precavidos.

Por estos lares estamos en verano…y pues nada, me estoy asando a fuego lento, a veces siento que estoy en el horno de pan del diablo sólo que no he caído en la cuenta (sí, el diablo hace pan…aprendió en la cuarentena)

En fin basta de tanto desvarío, en el día de hoy vengo a escribir una entrada sobre un documental que me ha venido como anillo al dedo, ya que refleja a la perfección, en mi humilde opinión, varias de las emociones acaecidas durante el año pasado entre los dimes y diretes de la clase política, los medios de comunicación, las redes sociales y etc. Saber dibujar, y poder expresar a través de dicho dibujo tus emociones más viscerales es para mí algo muy admirable. Y eso es lo que hace exactamente Ralph Steadman, el protagonista de hoy.

FOR NO GOOD REASON

Director: Charlie Paul

Año: 2012

País: EEUU-Reino Unido

Género: Documental

El deseo de causar shock es también una forma de vengarse de la autoridad.

Nos encontramos en la casa de un ilustrador al que su apariencia bonachona no debe prestar a confusión, este señor de aspecto apacible es una máquina que rebosa creatividad, imaginación y altas dosis de criticismo.

A lo largo del documental, narrado por Johnny Depp (cuya voz considero perfecta para los documentales) vamos viendo las diferentes ilustraciones del autor, entrelazadas con sus opiniones, su amistad de amor-odio con Hunter S. Thompson, su forma de ver la vida y el arte.

El montaje, la edición y ejecución es muy cuidado y prolijo. No te aburres en ningún momento, el director sabe donde ubicar la información en los momentos clave. Cabe aclarar que no se trata de un documental al uso, no hay datos biográficos de Steadman, se navega por recuerdos y trozos de conversaciones pasadas.

Nos encontramos ante un ser excéntrico, solitario, cálido y amable que sabe cómo dirigir su descontento porque tiene mucho para decir y para muestra qué mejor que hablen sus propias creaciones.

Leonardo Davinci en plena investigación ocular.
Ronald Reagan….o cualquier otro político cuando no llega al baño

En suma me lo pasé muy bien con este documental, siento que todo lo narrado sigue siendo muy actual y certero. Valoro mucho el conocer nuevos (al menos para mí) artistas, su técnica e ideas. Si gustan del arte y los documentales con una estructura narrativa no convencional los invito a que se pasen por la mente de su autor.

No puedo soportar a los abusones, y ha habido tantos de ellos y siempre han estado en posiciones de poder. Y lo encuentro francamente imperdonable.

Hasta la próxima entrada, cambio y fuera.

Mar,surf, recuerdos, ferrocarril, bicicletas, boxeo y yakuzas.

Todos estos elementos que conforman el título (que me ha quedado bastante largo, por cierto) figuran en los films que he visto, no en ese orden  pero ahí están siendo parte de 5 películas introspectivas (sí, incluso en la que hay yakuzas) que presento a continuación. Cámaras, luces ¡acción!:

After Life

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1998
  • País: Japón
  • Género: Drama, fantasía, sobrenatural

-Ya elegí un recuerdo…de cuando tenía ocho o diez años. Entonces, ¿sólo recordaré cómo me sentí entonces?

-Correcto.

-¿Podré olvidar todo lo demás?

-Sí.

-¿De verdad? ¿Se puede olvidar? Bien, entonces aquello es realmente el cielo.

La gente muere y va a un edificio antiguo por una semana, mientras permanecen ahí deben elegir un recuerdo, el que sea más significativo o precioso. Hay un límite de tiempo, tienen tres días para decidir. Cuando hayan elegido ese recuerdo especial, el personal del edificio lo recreará en una película, la cual se proyectará el sábado. Tan pronto como revivan el recuerdo, seguirán adelante llevando consigo sólo ese recuerdo.

Esta es la premisa del film, el cual se divide en los 7 días de la semana. Al inicio se llevan a cabo las entrevistas con las personas, luego siguen las narraciones de los recuerdos escogidos para luego pasar a la recreación de los mismos donde se ve al equipo creativo discutiendo ideas y preparando el set de filmación. Todo esto con una introspección y una nostalgia evocadora.

Acompañada de tonos apagados, uso de luz natural suave y un ritmo pausado y reflexivo vamos siguiendo la historia no sólo de las personas que eligen sus recuerdos sino de los supervisores que habitan en el edificio y los acompañan en la elección.

Poco a poco se van desvelando sus historias a través de comentarios, interacciones y sus objetos personales. Muestra, en mi opinión, con mucha claridad los entresijos y contradicciones del ser humano, lidiar con la gente no es fácil. Además deja pensando un buen rato y plantea algunas preguntas : ¿qué recuerdo te llevarías al más allá? ¿Qué tan fiel y exacta es la memoria? ¿Qué pasa si no puedes  o no quieres escoger un recuerdo? Para averiguarlo resta ver la película.

En su momento busqué desesperadamente dentro de mí cualquier recuerdo de felicidad. Ahora, cincuenta años después he aprendido que yo era parte de la felicidad de alguien. Qué descubrimiento más maravilloso.

Maborosi

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 1995
  • País: Japón
  • Género: Drama

-¿De quién es el barco?

-No es de nadie.

-Entonces lo quiero.

-¿Pero dónde lo guardarás?

-En el armario.

De todas las de la lista esta es, por lejos, la película que exige estar en un estado mental y emocional adecuados, pues sino puede resultar soporífera, ya que se detiene en cada escena y es muy contemplativa, rezuma melancolía. Y de eso trata la historia.

Una mujer (Makiko Esumi) pierde repentinamente a su esposo (Tadanobu Asano) , quien aparentemente se suicidó, quedando sola con su bebé de tres meses. Luego de unos años vuelve a casarse y se muda a la ciudad costera donde reside su nuevo esposo con su hija.

Es un film que explora y representa muy bien el duelo, la tristeza, la pérdida. Los sonidos cotidianos y pequeños momentos de la vida cotidiana introducen en la historia  llegando un punto en que parece que más que ver una película estuvieras espiando un poquito a cada personaje en sus quehaceres cotidianos.

Los diálogos son concisos, enfocándose más en cada gesto y movimiento. Las actuaciones son muy espontáneas, destacándose la de los niños. Con una banda sonora acorde. Y una fotografía estupenda.

Poppoya/El ferroviario

  • Director: Yasuo Furuhata
  • Año: 1999
  • País: Japón
  • Género: Drama

-Abuela ¿va todo bien?

-Ya te lo dije. No podemos quedarnos aquí sin hacer nada. Esta ciudad se está muriendo, pero nosotros no.

Profunda, intimista con una carga emocional contenida y ese estoicismo férreo propio de los japoneses.

  Ken Takakura lo hace de nuevo, brinda otra actuación estupenda. En esta ocasión interpreta a Otomatsu Sato, un ferroviario de Horomai disciplinado y entregado devotamente a su trabajo en una pequeña ciudad nevada que está condenada a desaparecer. Sus habitantes se marchan, sólo quedan ancianos y además van a cerrar la línea ferroviaria donde trabaja porque ¡palabra mágica! no es rentable.

Esta película en lo personal tocó mi fibra sensible, me ha sido imposible no sentirme identificada con la historia. A pocos kilómetros de mi pueblo, por calle de tierra como no, se encuentra una localidad que quedó deshabitada, murió,  como muchos pueblos de mi país, cuando dejó de pasar el tren. Puedo ver las líneas del ferrocarril cuando salgo a dar mis caminatas y los durmientes que cruzan por encima del arroyo. Siento cierta melancolía de imaginar ese tren que nunca veré, me quedan los relatos de mis padres que viajaron por estas vías. Volviendo al film, nos muestra la resignación, el paso del tiempo y la determinación de Otomatsu de cumplir con su trabajo hasta el final.

El pasado y el presente se entremezclan para contar la historia del solitario ferroviario a quien le espera un encuentro con una persona muy querida.

Creía en los dichos de mi padre y los he llevado a la práctica. Decía que las máquinas de vapor reconstruirían el país tras la guerra. Que trabajase con ellas. Y así lo he hecho. Me convertí en maquinista. Ahora voy a acabar mi carrera como ferroviario. Lo he hecho lo mejor que he podido. Y no me arrepiento de nada.

Kids Returns

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1996
  • País: Japón
  • Género: Drama, crimen

-Dinamita Kid, ése será tu nombre ahora.

-¿Eh?

-Yo encontraré otra cosa.

Este film es muy especial para mí, fue el primero que vi de Kitano y por el cual me volví seguidora del director, he visto casi toda su filmografía. Cada una de sus películas tiene su encanto pero, como suele suceder, tengo mi grupo de favoritas en donde se encuentra por supuesto ésta.

Aquí se siguen las andanzas de Shinji (Masanobu Ando) y Masaru “Machan” (Ken Kaneko) dos adolescentes problemáticos a los que une la amistad y el gusto por fastidiar a los antipáticos de los profesores (porque lo son) de su escuela.

Estos dos “tontos sin futuro” como los describe el profesorado descubren de casualidad sus intereses, Shinji en el boxeo y Masaru en la yakuza. A raíz de esto sus caminos se separan, y ahora cada cual por su lado ascenderá en su actividad. Pero el destino es caprichoso y adverso, y nuestros protagonistas sufrirán un revés.

Además de seguir a este par también se explora las historias de otros compañeros de su clase, como el dúo cómico, los matones que se meten al boxeo por curiosidad y un joven al que fastidian en la escuela.

El ritmo es dinámico aunque se detiene en algunos detalles. Un relato con humor seco, cierto halo de amargura y esperanza. Es muy realista, no va de héroes que superan los obstáculos para llegar a su meta, va de personas. Kitano no edulcora ni glorifica nada. Cada decisión tomada hace que los personajes crezcan para bien y para mal. Con sus aciertos y sus fallos siguen avanzando, los aceptas como son y se les toma simpatía.

El punto aquí es la amistad, a pesar del distanciamiento sigue ahí, de buscar tu propio camino, perder y volver a empezar.  Acompaña una estupenda banda sonora a cargo del magnífico  Joe Hisashi.

Sobre la película Kitano manifestó lo siguiente: “No quería hablar de cosas complicadas. Sólo quería divertirme” pues sí, pero de igual forma siempre hay un punto de reflexión en sus films y éste no es la excepción.

-Machan, ¿crees que todo ha acabado para nosotros?

-Idiota. No hemos ni empezado.

A Scene at the Sea

  • Director: Takeshi Kitano
  • Año: 1991
  • País: Japón
  • Género: Romance, drama.

La historia presenta a Shigeru (Claude Maki) un recolector de residuos sordo que encuentra en una de sus recolecciones una tabla de surf, la repara y comienza a introducirse en el mundo de este deporte acompañado de su novia.

Es una historia muy cotidiana, simple, que reboza ternura e inocencia. Con dos personajes a quienes se les toma simpatía a los pocos minutos. Se siente muy real, los diálogos, los gestos, cada momento es muy puntual y creíble, tanto que podría ser perfectamente la historia de cualquier aficionado al surf.

El sonido es excelente y el punto clave de la película. Te sumerge completamente en la historia: el ruido del mar, el viento, las risas, los pasos al caminar,  los vehículos. Es toda una experiencia auditiva. Se puede cerrar los ojos y realmente crees estar, valga la redundancia, frente al mar. Sin mencionar que Joe Hisashi vuelve a entregar otro excelente soundtrack (este señor siempre produce maravillas)  pueden escuchar uno de los temas aquí, el que escogí tiene influencias de Erik Satie (otro gran compositor):  Cliffside Waltz I – Joe Hisaishi (A Scene at the Sea Soundtrack)

Un manejo del drama comedido, que deja con una triste sonrisa porque tiene su toque amargo, pero no por esto deja ser un precioso y delicado relato. Por algo Kitano sensei es uno de mis directores favoritos, demuestra que puede manejar cualquier registro y entregar trabajos muy logrados.

Por cierto, me gusta ver películas sobre surf, no soy una experta ni nada, pero donde haya gente “cabalgando las olas” yo la veré  y, a mi parecer, es hasta la fecha la que mejor lo expone. Sentí que estaba ante una verdadera competencia, con los jueces y demás, lejos de efectos grandilocuentes. Por lo que me atrevo a afirmar que los fans de este deporte la disfrutarán.


Y aquí concluye mi selección de películas, espero alguna despierte su curiosidad y decidan darle una oportunidad. Nos leemos más pronto que tarde, cambio y fuera.

Strange Magic

  • Director: Gary Rydstrom
  • Año: 2015
  • País: Estados Unidos
  • Género: Fantasía, musical, animación.

-La vida entera me pasa delante de los ojos. Vaya, de joven era sexy.

Desengaños amorosos, amores no correspondidos, la temible friendzone (muajaja) es lo que se encuentra en este film que rinde homenaje a Sueño de una noche de verano del dramaturgo inglés.

Con toques de humor que sacan una sonrisa, una animación excelente (que es la razón por la que vi la película)  y un reparto que brilla en cada escena Strange Magic es sumamente recomendable para dejarse llevar y disfrutar de su premisa simple pero con toques adultos.

Strange Magic#02
Contemplen esa cabellera perfecta y apártense de su camino. Tiene una princesa que rescatar (además de admirar su gallarda figura en cada charco)

Los actores están excelentes en cada interpretación, porque si bien hay diálogos la mayor parte de la historia es cantada. Las canciones que interpretan por mencionar algunas son:

Por otro lado de fondo sonaban joyas como People are Strange de mis queridos The Doors y Poker Face de Lady Gaga (¡magnifique!) Y realmente Evan Rachel Wood, Alan Cumming y demás elenco SE LUCEN (así en mayúsculas, subrayado y a color)

Si de algo me voy a quejar es que me dejaron cantando sola Can’t Help Falling In Love  (¡que falta de respeto! Me las pagarás Rey Bog/Alan Cumming) Salvo este pequeño detalle (EJEM) por lo demás es muy amena, si quieren pasar un rato agradable y tararear alguna canción se las recomiendo. Oh, casi lo olvido el hit de la historia es este: Sugar pie honey bunch (Strange Magic clip)

Strange Magic#03
Este par es la razón por la que vi la película. Pues sí querido amigo, has metido la pata…es una chica, que desconsiderado.

 

Hana

  • Director: Hirokazu Koreeda
  • Año: 2006
  • País: Japón
  • Género: Comedia, drama

-La vida del samurai es como la flor del cerezo, bella y breve. Para él, como para la flor, la muerte es algo natural y glorioso.

(…)

-Seguro que las flores del cerezo caen porque saben que florecerán el año que viene, si no, no lo harían.

Soza (Junichi Okada) es un joven samurai el cual está dispuesto a vengar la muerte de su padre. Lleva en la búsqueda del asesino hace ya tres años viviendo en un barrio humilde de Edo, donde convive con un grupo de personas amables, que viven el día a día con optimismo e intentando llegar a fin de mes con el alquiler.

Un film ameno, con una fotografía preciosa donde se capta, a través de la luz y el color, esa estética y elegancia tan propia de Japón. Y donde se presenta un claro mensaje: una crítica a la venganza, el  rígido código samurai, incluso se hace alusión a los 47 rōnin, la lealtad y los dilemas morales. Todo ello mezclado con situaciones humorísticas y dramas de la vida cotidiana que viven los habitantes del barrio.

En suma una película que deja un agradable sentimiento al espectador, si gustan de las historias de samuráis, con toques cotidianos denle una oportunidad a Hana y contemplen, junto a Soza y compañía, las flores de cerezo.

 

En compañía de lobos

  • Director: Neil Jordan
  • Año: 1984
  • País: Reino Unido
  • Género: Fantasía, terror

“Un lobo se esconde tras mil disfraces. Ahora, como antes, es una verdad evidente: cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente.”

Este film etéreo y plagado de simbolismos se sirve de una puesta en escena y banda sonora alucinantes para recrear la vieja historia de Caperucita Roja.

Las lecturas que pueden hacerse del mismo son múltiples, cada escena es, en sí misma, un microrrelato. Los lobos son el hilo conductor de la historia de principio a fin, la amenaza que acecha en busca de su presa, la criatura solitaria e incomprendida.

Todas sus facetas son presentadas a través de relatos que la abuela (una magnífica Angela Lansbury) narra a su nieta Rosaleen (Sarah Patterson), una jovencita para nada ingenua, pero ¿serán su astucia y resuelto carácter suficientes para sortear los peligros del bosque?

En esta historia en la que se entreteje la fantasía con el folclore, lo gótico y la atmósfera neblinosa late el peligro del que debemos apartarnos, como bien indica la abuela, pero que a la vez atrae y fascina. Una película tan inquietante como su final.

-¿Quién viene a entonar esos cánticos?

-Son mis compañeros, cariño, me gusta estar en compañía de lobos.

 

 

ABREVIADO: El pañuelo amarillo de la felicidad/ Drive

Creo que se está haciendo costumbre que publique a fin de mes, en cualquier momento el nombre del blog pasará a llamarse “Saltos a fin de mes” o algo por el estilo. De todos modos aquí estoy nuevamente ( CRIC CRIC…sé que no me extrañaron no es necesario que cantes grillo)

En esta ocasión los invitados son dos films japoneses que tenía en el tintero (léase mi cuaderno de notas) que estaban iniciando una huelga por ser cruelmente ignorados. Asique luego de una ardua negociación hemos llegado a un acuerdo y aquí están para su deleite (o desgracia, todo depende del punto de vista)

EL PAÑUELO AMARILLO DE LA FELICIDAD

  • Director: Yoji Yamada.
  • Año: 1977.
  • País: Japón.
  • Género: Drama/road movie.

“En aquella época no sabía lo que estaba bien o lo que estaba mal y tampoco me importaba si iba o si venía. Estuve atrapado en aquella mini ciudad hasta los 30 años. Entonces me di cuenta de que sentía asco. Estaba desaprovechando mi vida, decidí cambiar. Y pensé que no habría nada en este mundo que pudiera pararme”

La historia comienza con el joven Hanada Kin’ya (Tetsuya Takeda) que tras una ruptura amorosa decide emprender un viaje en auto por la carretera, sin destino fijo. Sólo viajar hacia el infinito y más allá, en su periplo se encuentra con Ogawa Akemi (Kaori Momoi) una joven que al igual que él está atravesando una ruptura.

Pañuelo#01

Pañuelo#04
Kin’ya y Akemi con el corazón roto.

Así pues deciden ir a Hokkaido, pero a éste par de jóvenes con las emociones a flor de piel se les sumará Yûsaku (interpretado por el mítico Ken Takakura, el Clint Eastwood japonés) un hombre tranquilo y reservado, con un pasado doloroso que poco a poco irá desvelando.

El film equilibra muy bien la comedia y el drama, las actuaciones también están en armonía, pues Yûsaku es la contraparte perfecta a los volubles jóvenes que se pasan todo el viaje como perro y gato. Pues nuestro extravagante (y en ocasiones pesado) Kin’ya no dudará ni un instante en intentar acercarse a la tímida y sensible Akemi (y no de manera apropiada)

Pañuelo#03
Akemi pensando “¿Dónde me metí?” Posdata: Quiero que aprecien la indumentaria de nuestro cowboy nipón.

Sin embargo son ellos los que le proporcionarán al taciturno Yûsaku el coraje para volver a enfrentar lo que dejó atrás. Si gustan del drama pero aún más de las “películas de carretera” se las recomiendo.

Por cierto, hay una adaptación estadounidense con Eddie Redmayne, Kristen Stewart y William Hurt en los papeles principales. Curiosamente el film occidental ofrece una perspectiva más dramática e introspectiva en contraposición con la historia original en la que se aprecia más luminosidad y frescura. Ambas son altamente recomendables. Como último dato les comento que “El pañuelo amarillo de la felicidad” es un clásico en Japón y ganó el premio a mejor película del año.

DRIVE

  • Director: Hiroyuki Tanaka
  • Año: 2002
  • País: Japón
  • Género: Crimen, acción, comedia.

-¡Sólo eres un atracador! ¡Sólo un criminal! Nadie puede ser feliz con esa clase de dinero.
-Gira a la derecha en la siguiente señal.
-Un giro a la derecha no es legal en ese cruce.
-Gira a la derecha.
-Debemos seguir todo recto.
-Haz un giro a la derecha.
-Todo recto.
-¡Gira, maldita sea!

Antes de empezar debo confesar que decidí ver Drive” por el elenco de actores (a la par me enteré que mi querido Ren Osugi había fallecido)…y me encontré con algo completamente diferente a lo esperado. Porque Japón es muy Japón.

Asakura (Shin’ichi Tsutsumi) es empleado de una compañía que se ve interceptado, mientras conduce por la ciudad, por tres delincuentes (Ren Osugi, Susumu Terajima y Masanobu Ando) que persiguen a un cuarto el cual se quedó con todo el dinero robado del banco. Y es así como Asakura, un hombre metódico, estresado (padece de migrañas) y sumamente apegado a las normas de tránsito se ve envuelto en una situación de lo más atípica.

En éste film se puede encontrar de todo: reflexiones filosóficas y sobre el destino, situaciones inverosímiles (la del restaurante es mi favorita), surrealistas, guerreros fantasmas pertenecientes al Japón feudal, duelos de espadas, agentes de béisbol y un largo etcétera.

La película en ocasiones parece que no se tomara en serio así misma, sin embargo se mantiene una coherencia narrativa, es desconcertante y entretenida. A pesar de sentir por momentos que te están tomando el pelo quieres seguir mirando para saber cómo acabará todo. Muy recomendable para aquellos que disfruten del absurdo, sepan lo que es tener migraña y respeten las normas de tránsito.

Y hasta aquí la entrada de hoy, que como habrán notado no es muy breve pero da igual. El trato que hice con ambos films era que debían aparecer juntos y explayarme todo lo que pudiera sin hacer mucho spoiler (Ok, ya cumplí mi parte asique ¿pueden bajar esa katana por favor? Gracias) Nos vemos a fines de mayo, bueno espero poder publicar algo a mitad del mes (o morir en el intento como dicen) Nos leemos, cambio y fuera.

 

 

 

Cine indie+Western= DAMSEL

¡Feliz Halloween a todos/as los/as que lo celebren!. Por mi parte me divertí leyendo entradas referidas a la fecha (principalmente las de Noctua) pero en esta bitácora las cosas siempre van en sentido contrario.

Probablemente podría llegar a recomendar una película o libro de suspenso en plenas navidades (rebelde sin causa 2.0)

Por tanto hoy le toca el turno a una película que nada tiene que ver con la noche de brujas, pero que estaba esperando ver con muchas ganas, y no me ha decepcionado. Se las presento:

DAMSEL

  • Directores: David Zellner, Nathan Zellner
  • Año: 2018
  • País: Estados Unidos
  • Género: Western, comedia dramática

Samuel Alabaster (Robert Pattinson) viaja al Oeste para casarse con su gran amor Penélope (Mia Wasikowska) Acompañado del párroco Henry (David Zellner) quien oficiará la ceremonia y su caballo en miniatura Butterscotch (su nombre real es Daisy y fue su debut en pantalla) Sin embargo las cosas no son tan simples como parecen, sino que se tuercen dando un giro de 180°.

Los hermanos Zellner se ríen de los clichés del western y del concepto damisela en apuros.  Dando así un film poco convencional e impredecible, que a pesar de su comicidad también se permite la reflexión y la crítica.

La narrativa es pausada sin caer en el sopor, y si bien la trama juega un poco con el espectador tampoco lo subestima. Pues proporciona los datos necesarios para terminar de atar cabos.

Los actores están muy bien en sus roles, dando vida a personajes complejos a través de actuaciones naturales y espontáneas. Sin sobreactuar ni caer en la redundancia.

En el aspecto técnico fue filmada enteramente en exteriores. Lo que da lugar a paisajes bellamente plasmados, utilización de luz natural suave, planos medios y generales. Con un encuadre abierto y frontal.

La banda sonora corre a cargo del grupo The Octopus Project. ,es enteramente instrumental y se utiliza en momentos puntuales, fusionándose en parte con los sonidos ambientales y los diálogos de los personajes. Los cuales son ocurrentes en partes, un tanto absurdos en otras y hasta algo poéticos.

-Técnicamente hablando ¿estamos en un país indio?
-Técnicamente hablando, creo que en todas partes es el país de los indios.

Se me abrió la cabeza. Las hormigas trataron de comerse mi sangre. Malditas hormigas ¿qué diablos les hice yo a ellas?

A pesar del desconcierto que puede generar la trama en cierto punto, los mensajes que lanza están ahí para analizarlos. Sólo hay que tener paciencia, como es costumbre en los films independientes, pero la paciencia será recompensada con un mensaje muy vigente y necesario para la época en que vivimos.

 

Krull

  • Director: Peter Yates
  • Año: 1983
  • País: Estados Unidos/Reino Unido
  • Género: Fantasía, ciencia ficción, acción.

Estas fueron las palabras que, en su día, le dedicaron a la película que hoy se hace un hueco en mi querida morada:

“Pobre filme de género fantástico que bebe de clásicos sobre cuentos de espadas, batallas contra el maligno y bellas princesas.” (Crítica en FILMAFFINITY)

Y los grandes interrogantes son: ¿la crítica especializada tiene razón? ¿Es mejor no perder el tiempo en su visionado?  Bueno, si de algo sirve una mala crítica es de aliciente para sumergirse en dicha obra con nulas expectativas. Y puedo asegurarles que, con sus fallos, no es tan terrible como la quieren pintar:

En el Planeta Krull, dos reinos enemigos deciden establecer una alianza concertando un matrimonio entre el príncipe Colwyn (Ken Marshall) y la princesa Lyssa (Lysette Anthony)

Dicha boda será interrumpida por La Bestia, una criatura que viaja por el Universo con su ejército en La Fortaleza Negra. Una especie de nave espacial con forma de montaña que cambia constantemente de ubicación.

¿Y qué hace el personaje malvado? Pues lo que todo malvado haría: secuestrar a la princesa y masacrar al reino. Colwyn, el único sobreviviente, será guiado por Ynyr (Freddie Jones) hacia su viaje para rescatar a su amada y, derrotar a La Bestia con la mítica arma capaz de lograr tal proeza: el Krull (que es sospechosamente muy similar a una shuriken)

Y así es como comienza esta travesía , en la cual se irán anexando un grupo de variopintos personajes. Todos, de hecho, son arquetipos: el héroe valiente e impulsivo, el guía sabio, el torpe que se mete en varios entuertos, etc.

La fotografía y los efectos especiales son fantásticos. La utilización de luz natural, la combinación de bellos paisajes con escenarios cuidadosamente construidos son el punto fuerte del film.

Krull#04

 

La banda sonora es acorde y destila esas cuotas de heroísmo que la historia necesita. Mientras que los diálogos son ocurrentes y ágiles:

-La muerte y el poder son primos hermanos.

-Creo que no me gustan tus parientes anciano.

“¿Yo? ¿Viajar con ustedes? ¿Sabes quién soy? Soy Ergo el Magnífico. Pequeño de estatura, grande en poder, minucioso de propósitos y amplio de miras. Y no viajo con campesinos ni mendigos”

Las fuentes de inspiración de Krull saltan a la vista: Star Wars, El señor de los anillos y la Leyenda del Rey Arturo (en palabras de sus creadores) Se puede decir que sale bien parada de combinar fantasía y ciencia ficción.

 

Y ahora toca contarles los puntos en los que flaquea, que asumo son los que hicieron arrugar la nariz a quiénes fueron a verla. O puede que haya sido por otros motivos muy diferentes. Como sea, lo que me decepcionó fue la batalla final:  resulta que el ejército y la fortaleza son más mortíferos que su señor ¿Dónde se ha visto?

Por otro lado la pareja protagonista no es carismática ni despierta simpatía. Ambos son bastante simplones. Podrían no estar que la película seguiría su historia sin perder nada. Y no conviene encariñarse mucho con los secundarios.

A pesar de esto el objetivo lo cumple: entretiene. No es una obra de arte pero tampoco un mamarracho. Se disfruta a pesar de las fallas y eso, a fin de cuentas en una historia de este estilo, es lo importante. Que hay mejores obras no lo discuto. Pero tenerla en mi lista de films vistos no me molesta. Me sirvió para escribir esta entrada. Y eso no es poca cosa.